Cinefilando - Tudo sobre o mundo do Cinema!

Agora nos Cinemas: A Separação

2012-01-21T04:23:00.001-02:00

Nas tradições mais ortodoxas e paternalistas do islamismo, a separação de um casal não é bem vista muito menos facilitada pela sociedade. Assim, é de se destacar que Nader (Peyman Moadi, excelente) reage com notável honra e humanismo, ainda que contrariado com a decisão de sua esposa Simin (Leila Hatami). Buscando se adaptar a nova rotina, ele contrata uma empregada, Razieh (Sareh Bayat, espetacular), para que alguém possa cuidar de seu pai com Alzheimer enquanto ele se encontra no serviço, junção que moverá todas as engrenagens de uma desafiadora trama. Engana-se aquele que pensar que A Separação é um filme iraniano com a finalidade de ressaltar as diferenças da cultura islâmica perante um assunto relativamente comum no Ocidente. Indo muito além, A Separação é um excelente estudo de personagens que se desenvolve a partir de eventos, ocorrências e acidentes cotidianos que se desenvolvem geometricamente, tomando proporções inesperadas. Revelar muito mais sobre a sinopse é infeliz, especialmente porque o resumo jamais fará altura ao que espera o espectador.

Em seu primeiro filme desde A Procura de Elly, o diretor e roteirista Asghar Farhadi nos traz um pouco de ecos de Mike Nichols ou da tensão tipicamente européia quando eles resolvem desvelar o que há por trás das aparências nas relações interumanas. Contudo, o foco aqui é menos os relacionamentos desgastados, e mais a responsabilidade que tomamos quando lidamos com um próximo, seja ele quem for, e os limites que impomos àqueles que nos agridem. Construindo um filme absurdamente tenso, que prende o fôlego do espectador em todos os momentos da projeção, é gratificante ressaltar que este feito é alcançado por nada além de um texto escrito com maestria e cinco atuações marcantes – completando o trio anteriormente apresentado, temos Sarina Farhadi como filha do casal e Shahab Hosseini, interpretando Hodjat, marido de Razieh. A força texto/atuação é tão presente e palpável que não é difícil imaginar aquela encenação em algum palco, ainda que o roteiro tenha sido escrito diretamente para o filme.

Contudo, evidentemente a narrativa é contextualizada por uma cultura específica, e alguns momentos cruciais do filme são desenvolvidos levando-se em consideração tais especificidades (digam-me, em qual cultura ocidental existe tamanha devoção honesta a uma escrita sagrada capaz de se impor num momento de impasse ético decisivo como o que ocorre nos momentos finais do filme?), mas ainda assim, isso parece pouco importar ao filme. Não é a distância que se busca, ao contrário, é a comunhão: islâmicos ou não, todos os personagens parecem nos questionar incessantemente quais seriam nossas atitudes em suas peles. Lidando com assuntos relativamente sensíveis, é louvável que o filme em momento nenhum se renda a algum maniqueísmo desinteressante ou incoerente com o restante de seu conteúdo: ao contrário, os caminhos percorridos por cada personagem mostram-se amplamente complexos, e corrói o expectador com a dúvida, em todos os momentos (algo que, aparentemente, John Patrick Shanley tentou sem sucesso com seu Dúvida).

Fincando-se como o atual favorito ao Oscar de melhor filme em língua estrangeira (e este troféu só não será seu caso uma surpresa muito desagradável ocorra), o filme sofre sim nas mãos de um bairrismo hollywoodiano. Em um mundo justo, o filme seria tranquilamente indicado nas categorias de melhor roteiro original, melhor ator (Moadi), melhor atriz (Bayat) e melhor ator coadjuvante (Hosseini). Já que tal mundo não existe, espero que suas múltiplas indicações e vitórias em prêmios de destaque internacional (iniciado no sucesso absoluto durante o Festival Internacional de Berlim, em 2011) sirva para que, ao menos, o filme alcance um público maior do que o previsto. Também não posso deixar de me queixar sobre o fato que toda publicidade do filme destaca excessivamente Simin (Hatami), sendo que esta é a personagem menos interessante do quinteto.

Nota: 10,0.

Agora nos Cinemas: Cavalo de Guerra

2012-01-20T15:45:00.000-02:00

Coube ao homem urbano atual, no lugar de alguma opção melhor para o destino de seu afeto, ser fielmente apegado aos animais mais caros e próximos, aqueles que nos obedecem, gracejam e amam cotidianamente. Com isso, inúmeros filmes exploram este profundo sentimento humano com seus filmes sobre baleias, cachorros, golfinhos, e sinto falta de uma calorosa e incompreendida jibóia nesta lista. Reza lenda que este sentimento está fincado em nosso passado, remoto ou não, da relação dos índios, egípcios, romanos e a natureza. E muito provavelmente no homem rural, que tinha seu labor apoiado em seus fiéis companheiros, como os cavalos. Pois bem, Cavalo de Guerra é a declaração de amor do Spielberg pelas fazendas que tem ou deveria ter.

Baseado em uma peça teatral (não, não estamos falando de Equus), o filme gira em torno de Albert (o inexpressivo e sem carisma algum Jeremy Irvine) e sua amizade com Joey, um cavalo comprado por seu pai a altos custos, desde potro, para ajudar com os afazeres de uma fazenda que ruma à falência. Por motivos alheios à vontade do garoto, o cavalo é vendido a um oficial do exército inglês durante a primeira guerra mundial, e o que vemos, em seguida, é a busca deste apaixonado pelo objeto de seu desejo. Talvez alguns percebam aí um filme sobre amor ou amizade.

Há outros que, por outro lado, se questionam na cadeira do cinema os motivos que levaram a seqüência de Austrália não ter nem Nicole Kidman nem Hugh Jackman no elenco. Comparação esdrúxula por comparação esdrúxula, não me parece errôneo o comentário que relacione o caráter episódico de Cavalo de Guerra com o mesmo estilo adotado em Cold Mountain, contudo, se no filme de Minghella as tramas agregadas acrescentavam um mínimo de impacto à narrativa (não se esqueçam que com pouco mais de dez minutos em cena, Natalie Portman era o verdadeiro destaque do filme), no filme de Spielberg, cada novo episódio parece mais sem razão de ser do que o anterior. Contudo, apesar da falha estrutural, o filme esconde sua longuíssima duração em doses equilibradas de melodrama e momentos verdadeiramente interessantes.

A saber, a divisão é muito simples: tudo que envolve os humanos (exceto, talvez, a família de Albert, com tocantes interpretações de Peter Mullan e Emily Watson) é extremamente enfadonho e apelativo – ainda que tenha um ou outro momento interessante (como os eventos em um moinho). Já tudo aquilo que envolve o cavalo é simplesmente arrebatador. Spielberg foi um excelente e inenarrável diretor de elenco com seu animal (provavelmente interpretado por mais de um, e alguns digitais) – não há cena de Joey que não nos provoque alguma reação ou emoção, e o equino sustenta com classe e honra o filme. Hábil diretor de cenas de guerra (contudo, registra-se que nem mesmo em Soldado Ryan Spielberg sobre dosar corretamente guerra e tédio), os momentos de batalha são mais maquiados (sendo um filme família, evita-se o sangue a qualquer custo), mas ainda assim tensos e convincentes. Desta maneira, o momento mais marcante da película é na loucura de Joey, quando este foge por trincheiras em determinado momento (ignorando-se as conseqüências supérfluas da cena, há de se concordar que nenhum ser humano é passível de assisti-la sem reação alguma).

Contudo, Spielberg está invariavelmente deslocado no tempo, assim como brega e apelativo. Se não nos bastasse a vergonha alheia por um inexplicável leilão nos encerramentos da narrativa, como então encarar as fotografias finais sem imaginar Albert arrancando um pedaço de cenoura da terra e entregando ao cavalo enquanto diz “Jamais passaremos fome de novo”?

Deseja-se que a biografia de Lincoln, atual pré-favorito ao Oscar 2013, tenha destino melhor.

Nota: 5,0.

Agora nos Cinemas: Precisamos falar sobre o Kevin

2012-01-18T04:05:00.000-02:00

Eva Katchadourian é uma mulher claramente em desespero. Morando em uma casa desestruturada, encarando sua depressão com álcool e pílulas e aceitando um subemprego ante a sua grande capacidade, ela vive soterrada pelo labirinto emocional da culpa. Perseguida pela população de sua cidade, que a agride fisicamente e vandaliza sua casa, Eva é a mãe de um atirador que matou seus colegas de colegial – Kevin. Não se preocupem sobre algum possível spoiler, estes são apenas os dez minutos iniciais da projeção.

Não conheço a obra original de Lionel Shriver, apenas tenho a intuição de se tratar de uma obra alternativa de boa qualidade, pelo estilo de meus poucos amigos que comentaram enfaticamente sobre o livro. Também fiquei sabendo que a estrutura do livro é através de cartas através da qual a mãe tenta expurgar suas dores e culpas. Já a diretora Linney Ramsey aposta em diferente estrutura: vemos cortes abruptos entre o presente da mãe e sua dificuldade em voltar a fazer parte do mundo no qual sempre viveu, e o passado de uma família, desde os pais se conhecendo, até o desenvolvimento infantojuvenil de Kevin e sua pequena irmã. Já devo deixar claro o elogio às escolhas estilísticas da diretora – ainda que nada sutis, o abuso da cor vermelha e da sobreposição entre mãe e filho em alguns momentos, além de inúmeros jogos de luzes e perda de focos faz com que o filme nos perturbe gradativamente. Sua arriscada opção por nos entregar aspectos do clímax violento que chegará no final da projeção também se mostra acertada, apesar de ousada: mesmo sabendo o que aconteceu, ficamos atônitos ante as imagens (nem tão gráficas) que surgirão.

A divisão estrutural da narrativa também já permite o link com a principal qualidade do filme: Tilda Swinton tem aqui o ponto mais alto e sua carreira. Atriz que nunca me conquistou por completo (apesar de ser apaixonado por sua participação em Queime Depois de Ler – junto com todo este elenco) consegue com este filme a proeza de nos deixar sem conseguirmos imaginar quem pudesse fazer o papel de Eva se não ela. Seu rosto magnético ainda que estranho é tão essencial ao filme quanto sua desorientação e enganadora frieza agregadas ao papel com maestria.

Contudo, quando chegamos a Kevin, o filme começa aos poucos a perder sua força. Não por falta de talento do elenco – tanto Ezra Miller (adolescente) quanto Rock Duer (mais ou menos 3 anos) defendem seu personagem de maneira extremamente competente, mas ainda assim Jasper Newell (6-8 anos) consegue se sobrepor aos anteriores. Contudo, o que sobra de elenco, falta de conteúdo. Peço desculpas sobre o trocadilho, mas o filme não nos diz nada sobre Kevin, e este não passa da encarnação demoníaca da perversidade natural. Este ponto do filme – crucial para a apreciação do mesmo – é tão inconseqüente que não foram poucas as vezes que tive a impressão de estar assistindo a “O Anjo Malvado” (The Good Son, 1993) em uma versão para adultos sádicos. Seus motivos, angústias e dores nunca transparecem na tela, e o personagem não é nada além do ódio inexplicável estampado em seu rosto desde muito pequeno. O extermínio em massa nas escolas é um problema endêmico – e, até o início da década passada, exclusivo – à sociedade norteamericana, contudo o filme em momento algum se pretende a alguma discussão social sobre o tema.

Por fim, é válido ressaltar que apesar de não ser tão bom quanto alguns críticos disseram, o filme é mesmo tão perturbador e repelente quanto dizem. Fazendo questão de ser cruel em cada detalhe, sobrou para a leveza Franklin (John C. Reily, o pai) soar como uma distância facilitada pela cegueira, e a doçura de Celia (Ashley Gerasimovich, a irmã caçula) ser dilacerada pelos momentos mais incômodos do filme. E diante de tantas indisposições, não deixa de ser importante comentar que mesmo uma resposta inesperada dada em uma comemoração de fim de ano consegue ter o poder de se fincar como um dos momentos mais repulsivos da projeção.

Sugerindo um desfecho que deixará os mais imediatistas revoltados e os interpretativos um tanto desnorteados, Precisamos falar sobre o Kevin é um filme que dificilmente conseguirá adoração de um grande público, contudo, apesar de seus incômodos defeitos, merece ser reconhecido pelo excesso de coragem em sua crueza e estilo.

Nota: 6,5

Feliz Ano Novo:D

2011-12-29T23:33:00.002-02:00

Bem gente, passando aqui pra me despedir temporariamente de todos, pois amanhã de manhã estou indo pra Lagoa, que é onde veraneio, e ficarei lá durante uns 15 dias (sendo que lá não tem internet).

Então desejo a todos vocês um Feliz Ano Novo e que 2012 seja ainda mais glorioso que este ano que passou:)

Mil bjus, vivi

Videocast: Indicados ao Globo de Ouro 2012- melhor trilha sonora e melhor canção

2011-12-23T18:06:00.002-02:00

minha opinião sobre os indicados a melhor trilha e melhor canção ao Globo de Ouro 2012...espero que gostemmmm!

Um ótimo natal e ano novo a todossssss,

vivi

Cinema Musical: A trilha sonora de The Artist

2011-12-20T13:11:00.001-02:00

Enfim irei discorrer sobre aquele que é considerado por muitos o já franco favorito para o Oscar de Melhor Trilha sonora deste ano: O Artista, do francês Ludovic Bource.

Bource é um compositor francês que começou sua carreira compondo para comerciais do grande amigo Michel Hazanavicius. Desde então ele vem colaborando com o diretor, nos longas Agente117 e Agente 117 – Missão Rio, duas comédias que seriam uma espécie deAustin Powers francês. Agora, ele mais uma vez compõe para uma obra do diretor, que é este filme em preto e branco e mudo que homenageia os clássicos de Hollywood das décadas de 1920 e 1930, e que já é um dos queridinhos do ano. E a trilha é realmente muito bonita.

São 24 faixas que embalam o romance do ator de sucesso (interpretado por Jean Dujardin, sendo que o filme foi feito especialmente para ele) que se apaixona por uma novata (Berenice Bejo) em meio à mudança dos filmes mudos para os filmes falados. Uma obra extremamente especial que necessitava de uma trilha à altura – algo que ocorre aqui.

“The Artist Ouverture” é uma breve faixa que deixa qualquer um com lagrima nos olhos, ao ter uma melodia saudosista e etérea que homenageia as trilhas do início da história do cinema. Segue-se então com “1927 A Russian Affair”, que é melodramática e abusa das cordas e de um ritmo acelerado que dá ares de aventura à faixa. Já “George Valentin” é o tema adorável do protagonista que lembra os musicais da época, uma faixa muito charmosa que ganha um toque adocicado pela mistura da lira com o piano. Em contrapartida “Pretty Peppy” é o tema da mocinha da história, cheio de violinos, lampejos, romances e prosa em melodia.

“At The Kinograph Studios” é outra faixa graciosa, que traz o passado ao presente de modo muito romântico e suave. “Fantaisie D´amour” é divertida e inteligente, mais uma vez seguindo esta linha mais lúdica da trilha. “Waltz for Peppy” - emotiva, inteligente, única e simplesmente adorável – é provavelmente a grande faixa do score e talvez a grande faixa do ano de uma trilha sonora. Depois tem-se a utilização de uma peça do compositor erudito argentino Alberto Ginastera com a fantástica “Estância op.8”, e “Imagination” de Fud Livingston.

A trilha continua de alto nível com a poderosa “Silent Rumble”, a obscura (e dominada pelo oboé) “1929”, e a triste mas bela “In the Stairs”. Segue-se então “Jubilee Stomp” de Duke Ellington, e depois voltamos às faixas originais de Bource com “Commeune Rosée de Larmes”, que é toda executada ao piano e tem uma melodia poética e singela. “The Sound of Tears” mas uma vez traz o oboé em destaque, e a canção “Pennies of Heaven” de Johnny Burke traz as memórias do cinema adorável da Hollywood que não existe mais.

Outras faixas de destaque são “1931”, que é uma faixa que parece ter vida própria, “L’ombre des Flammes”, que lembra muito a trilha sonora do clássico Aurora de Murnau, a dramática e maravilhosa “My Suicide” e claro “Peppy and George”, que resume bem o espírito radiante do longa, no tema do casal principal.

Trata-se se aqui de uma trilha sonora inteligente, única e de grande valor. Seria digna de um Oscar e, mais do que isso, de colocar em Hollywood um compositor desconhecido aos americanos que ainda pode mostrar muito mais do seu potencial. Esse vai longe.

Número de estrelas: 5

Agora nos cinemas: Um Dia

2011-12-08T21:48:00.002-02:00

Baseado no best seller mundial escrito por David Nicholls (e adaptado às telonas por ele), o romance "Um dia" chegou esta semana aos nossos cinemas e demonstra ser uma grata surpresa (principalmente pelos criticos americanos terem sido tão duros com o filme) que é dirigido pela dinamarquesa Lone Scherfig, que ficou conhecida no circuito cinematográfico por ter dirigido e roteirizado o oscarizável "Educação" a dois anos atrás.

O filme conta a história de Emma (Anne Hathaway) e Dexter (Jim Sturgess) que ficam amigos no dia da formatura de ambos- ela tem uma queda por ele, ele é um bon vivant, e os dois acabam estabelecendo uma duradoura amizade onde sempre se encontram no dia 15 de julho de cada ano. O mais legal no filme é que ele vai mostrando o progresso na vida de cada um- o duro inicio de Emma para pagar as contas trabalhando em um restaurante mexicano (onde conhece Ian- Rafe Spall, que se apaixona por ela) e em contrapartida a facilidade com que Dexter, que é de familia rica, consegue transformar-se em um famoso apresentador de tv...e como as situações vão se invertendo ao longo dos anos entre um e outro.

Não dá pra contar muita coisa da história, pois existem elementos importantes que devem ser descobertos se assistindo o filme, mas devo informar que aqui trata-se de um romance dramático forte, e para os mais sensiveis, as lagrimas serão involuntárias. O casal principal está muito bem (reclamaram do sotaque de Anna mas mal se nota), e a trilha sonora de Rachel Portman mais uma vez é soberba (a melodia em si é simples mas extremamente tocante). A fotografia de Benoit Delhomme também é outro ponto de destaque e os coadjuvantes do filme (Rafe Spall, Patricia Clarkson, Romola Garai, Ken Stott, Jodie Whitaker) dão o charme necessário para o filme se tornar ainda mais especial.

É um belo longa, um dos melhores do gênero dos ultimos tempos. Vale a pena conferir e se emocionar.

Nota: 8,0

Cinema Musical: A trilha sonora de My Week with Marilyn

2011-11-23T19:18:00.001-02:00

Este foi mais um ano produtivo para Alexandre Desplat, que continua sendo o compositor queridinho de Hollywood. Aqui, em parceria com o seu fiel escudeiro Conrad Pope (que orquestra a maioria de seus trabalhos), Desplat e Pope entregam um ótimo trabalho, em um projeto super especial: a história de Marilyn Monroe nos bastidores do longa o qual ela contracenou com Laurence Olivier- “O príncipe encantado”.

Dirigido por Simon Curtis, o filme se baseia no livro de Colin Clark (que no filme é interpretado por Eddie Redmayne) que narra seu relacionamento com Marilyn Monroe (interpretada por Michelle Williams) enquanto esta gravava o filme com Laurence Olivier (feito por Kenneth Branagh). É então o ponto de vista de Colin sobre a diva, que tinha a dualidade como sua principal característica sendo ao mesmo tempo a mais sexy mas também a atriz mais frágil da época. Essa dualidade da personagem se transfere para sua trilha sonora que contem sensibilidade mas também muita energia.

A primeira faixa do score é “Marilyn´s theme” composta por Desplat, que é um belíssimo tema todo executado ao piano, muito emotivo e cuidadoso. Após, tem-se a versão de “When love goes wrong, nothin´ goes right & heat wave” onde Michelle Williams mostra poder nos vocais. Já “Colin runs off to the circus” assinada por Pope é radiante e enérgica, magnificamente executada por cordas. Em “Colin joins the circus/ Mr. Jacobs” Pope traz uma melodia deliciosa e poderosa e jazz, extremamente sexy e cheia de vida, bem como a curtinha “Driving through Pinewood” que soa como uma passagem alegre e graciosa. Depois ouve-se “Paparazzi” de Desplat, que executa com cordas o tema do filme de modo muito romântico e sensível, para no meio da faixa haver uma transformação no ritmo que leva o score à outro patamar. Em “Colin and Vivian”, temos o estilo de Desplat bem marcado (piano com cordas e harpas alternando-se). Tem-se então a versão remasterizada da canção “Memories are made of this”, e após a faixa “Rushes” de Desplat, melancólica e marcada pelo som do oboé que se destaca como instrumento principal aqui. “Lucy” de Pope, é muito bela e tem uma melodia no piano intensa mas também delicada.

Ouve-se então a canção “Uno, dos, três” e a faixa “Arthur and Marilyn” de Desplat, que é mais obscura. Temos o tema de volta em “Marilyn Alone”, mas a vida volta ao score com “Arthur´s notebook” de Pope, uma faixa extremamente bem composta e perfeitamente harmônica. Em “Vivian screens Marilyn” também de Pope, há uma doçura misturada à um sentimento de melancolia muito bem transposto através do piano. “The Getaway” de Desplat, é também outra faixa muito graciosa e muito suave, mais leve e divertida. Segue-se com a canção “You stepped out of a dream” e a faixa de Pope “Eton Schoolyard” marcada mais uma vez por um ritmo de jazz contagiante.

Destacam-se também “Overdose” de Pope, “Colin and Marilyn” de Desplat e “Remembering Marilyn” que traz o tema de volta com o piano e com as cordas, lembrando o estilo das trilhas de Henry Mancini para com os filmes de Audrey Hepburn. A trilha termina ainda com mais uma canção muito bem interpretada por Williams- “that old magic black” onde a atriz mais uma vez sai-se muito bem.

É uma trilha muito boa, que revela o talento de Conrad Pope, um compositor que eu só conhecia como orquestrador, mas que arrasa neste belo e singelo trabalho. Para ouvir e reouvir muitas vezes.

Numero de estrelas : 4

Agora nos cinemas: Toda forma de amor

2011-11-10T10:45:00.003-02:00

Este adorável filme dirigido por Mike Mills baseado em sua própria história, se revela como um dos mais inteligentes, originais, e peculiares do cinema atual. Com uma narrativa que foge dos convencionismos baratos e um elenco brilhante, esta comédia romântica já se estabelece como um dos grandes filmes do ano.

O filme conta, de forma aleatória, a história de Oliver (Ewan Mc Gregor), um cartunista que descobre a homossexualidade do pai Hal (Christopher Plummer), que recentemente perdeu a esposa de câncer (em um casamento que durou 45 anos). O pai, que também está com câncer, tem 75 anos e resolve aproveitar seus últimos momentos, inclusive arranjando um namorado que não é monogâmico (feito por Goran Visnic de modo bem competente). O fato mais curioso é Oliver descobrir que a mae sempre soube da homossexualidade do marido, pedindo o mesmo em casamento e prometendo à ele consertar o seu problema. De qualquer forma, Hal sempre foi fiel à esposa, apenas assumindo sua opção sexual após a morte da mesma. Em contrapartida, vemos em alguns flashbacks a infância de Oliver com a mãe, e partimos para os dias atuais, após a morte do pai, onde ele cuida do cãozinho Arthur que era de seu pai (e aqui temos uma lição de originalidade- Arthur conversa com Oliver, e vemos suas respostas através de legendas que dão um ar ainda mais criativo ao filme). Além disso Oliver se apaixona pela incrível Anna (Melanie Laurent), que vai ajuda-lo a superar seus medos e confusões.

Com uma trilha sonora soberba, e atuações magníficas, o filme dá ao lendário Christopher Plummer a chance de mostrar aquele que talvez é seu personagem mais humano e sensível, já que seu Hal embora seja alegre e espirituoso, também tem dificuldade de lidar com a doença, escondendo dos novos amigos por exemplo, o quão está doente. Já Melanie Laurent como sempre está ótima, em um papel que tem muito mais complexidades do que se aparenta ter. Mas é Ewan Mc Gregor que realmente me surpreendeu. Embora seja fã do ator desde a época em que ele fazia parcerias com Danny Boyle, nos últimos anos parecia-me que ele havia perdido o brilho como ator. Como eu estava enganada, pois aqui ele dá uma das melhores performances de sua carreira, fazendo um personagem que, embora introspectivo, seja extremamente aberto em suas emoções. Palmas também vão ao roteiro do diretor, que mistura estratégias a lá Amelie Poulain com uma historia que é sentimental mas também realista, de modo muito diferente com que estamos habituados a ver hoje no cinema atual, onde tudo se copia e há remakes por todo o lado.

É então um filme magnífico, bem feito, que merece ser conferido por sua competência e autenticidade, e que desde já coloca Christopher Plummer como o franco favorito (merecidamente) à melhor ator coadjuvante na corrida ao Oscar do ano que vem. Sensacional.

Nota: 10,0

Cinema Musical: War Horse

2011-11-08T22:31:00.002-02:00

Que John Williams é o compositor mais importante da história do cinema isso todo mundo sabe...mas o que muitos se questionam é porque Johnny tão importante e com tantas trilhas incríveis só tem 5 Oscars...seria azar, concorrência forte ou falta de amor da academia? Independente do que seja, ele tem grandes chances de adicionar mais um Oscar neste ano, por causa da belíssima trilha de “War Horse” (Cavalo de Guerra).

Baseado no livro de Michael Morpurgo, que deu origem à peça que levou 5 premios tony neste ano de 2011, o filme trata conta a história do jovem Albert (Jeremy Irvine) e seu cavalo Joey, que é vendido para a unidade de cavalaria do exercito britânico para ser utilizado em combate durante a Primeira Guerra Mundial. Albert então parte para a França atrás de seu cavalo, enfrentando o mundo para poder reencontrá-lo. Dirigido pelo mestre (e sempre parceiro de Williams) Steven Spielberg, o filme já é considerado um dos grandes contenders para o Oscar 2012, bem como claro, sua trilha sonora. A lindíssima trilha é um deleite para os ouvidos, e com certeza já se consagra como um dos principais trabalhos do compositor.

“Dartmoor, 1912” é extremamente épica e poderosa, onde exalta o tema do filme lembrando as composições do saudoso Maurice Jarre (mestre das trilhas épicas). Mas o que chama atenção na faixa é a vivacidade da mesma, onde cordas atuam energicamente paralelamente à um oboé mais suave. Posteriormente ouve-se a faixa “The Auction” onde novamente o oboé tem papel de destaque, e aqui o ritmo é mais lento, em algumas partes há dinâmica pianinho, dando um ar etéreo à faixa. Já “Bringing Joey home, and bonding” começa com um jogo de cordas que de modo sarcástico e divertido, mas que em dado momento dá lugar ao tema da trilha, mais uma vez muito emocionante e marcante, sendo que no final temos o jogo de notas de volta fazendo da faixa um quebra cabeça musical. “Learning the call” é outra faixa que merece destaque, por trazer melodias sobrepostas que vão se complementando e resultando em um único e distinto som. “Seeding, and horse vs. Car” é muito forte e ao mesmo tempo tem um ritmo muito rápido, onde as flautas brilham soando como os sentimentos dos personagens. “Plowing” traz inicialmente o tema do filme executado uma oitava à baixo da melodia original, trazendo uma atmosfera mais pesada para o score até um dado momento, se traduzindo como uma faixa muito sóbria e inteligente. “Ruined Crop, and Going to War” é triste, mas muito bem executada, onde as cordas parecem traduzir em notas a sensação de uma forte tempestade. “The Charge and Capture” é tumultuada e agitada no inicio, mas, dado um momento da faixa ela diminui o ritmo trazendo os sons de sopro de modo mais gentil e seguro, terminando de modo mais delicado.

Outra faixa de destaque é “The desertion” que também começa intensa e vai diminuindo o ritmo e a sonoridade até ficar sem som algum. E se “Joey´s new friends” é radiante e cheia de vida, “Pulling the Cannon” é gigantesca e áspera. Já “The Death of Topthorn” embora seja mais nostálgica é belíssima e encantadora. “No man´s land” também é muito bem feita, embora muito obscura. Já “The reunion” é toda mágica onde há a execução do tema novamente, com melodias extraídas do fundo do coração do mestre. Em “Remembering Emilie, and finale” o destaque fica pelo uso do piano, que brilha na faixa. Mas é “The homecoming” que merece o titulo de melhor faixa do score- agindo como uma suíte que resume todas as melodias importantes da trilha, onde o destaque maior fica para a flauta misturada às cordas que resultam em uma faixa magnífica.

Por fim, não há muito o que dizer: é uma das melhores trilhas da carreira de John Williams e, embora ainda não se possa concluir qual é a melhor trilha do ano, esta já fica definitivamente entre as melhores. Ganhando o Oscar ou não, este score é magistral. Mais um trabalho absurdo do maior mestre das trilhas sonoras, digno de emoção, lagrimas, beleza e que me lembra o que porque de amar tanto o cinema e as trilhas sonoras: pela magia e felicidade que só esta arte pode trazer por completo.

Numero de estrelas: 5

Cinema Musical: Compositores contenders para o Oscar 2012

2011-11-03T20:37:00.001-02:00

Gente, depois de tanto tempo sem postar eu volteeeeeeeei:D

Aqui está um video que eu fiz para comentar sobre os contenders na categoria de trilha sonora para o Oscar 2012.

Espero que gostem...

mil bjus,

vivi

Especial dia da criança: as 10 melhores trilhas sonoras de filmes infantis!

2011-10-12T11:55:00.010-03:00

Neste dia da criança, resolvi fazer um top 10 das trilhas sonoras que considero mais importantes dos filmes infantis...não são necessariamente dos meus filmes favoritos, mas são das que considero que fizeram a diferença na análise final de seus respectivos filmes...espero que gostem!

E aqui está o meu top 10:

10- Michael Giachinno- Ratatouille: Giachinno é um dos melhores compositores do mundo hoje. Saído das trilhas para Games, e descoberto por J. J. Abrahms para o mundo de “Lost”, o compositor embarcou na Pixar para substituir John Barry na trilha sonora de “Os incríveis”. Com um trabalho soberbo, ele então foi convidado a assinar o score de “Ratatouille” o adorável filme sobre um ratinho francês que sonha em ser chef de cozinha. Inspirado por Henry Mancini e John Williams (na época que ainda assinava como Johnny), Giachinno dá para “Ratatouille” o

charme necessário que o filme precisa para se tornar uma adorável obra prima. Misturando Jazz com a originalidade da música francesa, a trilha deste magnífico filme é uma obra prima, que deu ao compositor sua primeira indicação ao Oscar em 2008.

9- Jerry Goldsmith- Mulan: Como todos sabem Jerry Goldsmith foi um dos maiores compositores de toda a história do cinema- famoso por trilhas sonoras de ação e muito suspense (O planeta dos macacos, Rambo, Star Trek e claro, A profecia e POLTERGEIST são dele), ele surpreendeu todo mundo ao assinar a trilha sonora do filme de animação de 1998 “Mulan”, dando uma alma que o filme definitivamente não teria sem a trilha do mestre. Uma obra prima, impecável, que molda a alma dos personagens da animação e deu ao Jerry sua ultima indicação ao Oscar em 1999.

8- John Powell- Como treinar o seu dragão: Confesso que embora competente, não achava John Powell um compositor que realmente fazia a diferença...não achava até ver “Como treinar o seu dragão” a obra prima da Dreamworks baseada nos best sellers de Cressida Cowell, que conta a história da amizade de um jovem viking e um dragão arisco mas de excelente coração. A trilha é um tour de force- enérgica, inteligente, emotiva e radiante, John Powell expressa através da música celta todos os sentimentos entre Soluço e Banguela de modo genial...e a cada cena temos uma nova surpresa. Por este trabalho, Powell levou sua primeira indicação ao Oscar em 2011.

7- George Bruns e Irmãos Sherman- Aristogatas: embora não tenha sido indicado à nenhum Oscar, é impossível não perceber a importância das canções e da trilha no filme. As canções assinadas pelos Irmãos Sherman (que venceram o Oscar por Mary Poppins) e a trilha do sempre excelente George Bruns (que foi indicado à 4 Oscars, incluindo Mogli e A bela adormecida), respiram, vivem e morrem pelo Jazz, ao contar a história de gatinhos aristrocatas que são seqüestrados e acabam amigos de um gato boêmio que ama jazz, e dá um toque pitoresco à vida daquela família...a versão no final de “everybody wants to be a cat” é soberba e faz do filme uma diversão absoluta.

6- Alan Menken, Howard Ashman e Tim Rice- Aladdin: Aladdin é um dos filmes mais importantes e queridos da história da Disney, e sua trilha venceu o Oscar, bem como a canção “A whole new world” que ainda foi o numero 1 da Billboard e venceu o Grammy de melhor canção do ano!!!!!! Tudo isso com a trilha assustadora de Menken, que a compôs logo depois da morte de seu amigo Howard Ashman (que fazia as letras pras canções de Menken), mas que ainda tem algumas no filme (como “arabian nights” e “friend like me”)...para completar as letras do resto das canções foi escalado o mestre Tim Rice (parceiro de Andrew Lloyd Webber- o maior compositor da historia da Broadway), que deu a “A whole new world” a beleza que a melodia precisava para se tornar um hit. Com referencias ao som da década de 30, misturado com o som árabe, a trilha de Aladdin é soberba e marcou Menken como o grande compositor da década de 90.

5- George Bruns inspirado no balé de Piotr Ilitch Tchaikovsky- A bela adormecida: A bela adormecida considerada pelo próprio Walt Disney (enquanto este era vivo claro- morreu em 65), o melhor filme feito na história do estúdio. E com razão- dos cenários pintura, à história, à adaptação de George Bruns para o balé de Tchaikovsky, tudo se completa, como se realmente estivéssemos vivendo em um conto de fadas. O trabalho de Bruns é magnífico- e a canção “Once upon a dream” é lembrada até hoje como um dos clássicos musicais infantis mais belos (com a colaboração do vencedor do Oscar “Sammy Fain”). Uma mágica trilha para um mágico filme que deu à Bruns uma indicação ao Oscar de melhor trilha sonora em 1960.

4- Frank Churchill e Oliver Wallace- Dumbo: Considerado por muitos (inclusive por John Lasseter) o melhor filme da história da Disney, Dumbo ganhou o Oscar de melhor trilha sonora em 1942 juntando o que na época eram os dois grandes nomes da história da Disney- Frank Churchill (de Branca de Neve e Bambi) e Oliver Wallace (que na época assinava as trilhas de todos os curtas da Disney e que viria a fazer posteriormente trilha de filmes como “Peter Pan”, “Alice no país das maravilhas” e “A dama e o Vagabundo), para criar a trilha sonora mais adorável do mundo para o elefantinho mais adorável da história do cinema. O filme que encantou multidões (e que foi o primeiro a tocar na ferida de pessoas excluídas), foi um tremendo sucesso e sua trilha sonora vendeu milhões de discos. Para ouvir, relembrar e se emocionar.

3- Hans Zimmer, Elton John e Tim Rice- O rei leão: Dizer que “O rei leão” é um clássico é chover no molhado. O filme que quase não foi lançado (Jefrey Katzenberg- o atual dono da Dreamworks que na época era diretor artístico da Disney achava que o filme seria um fiasco!), se revelou um sucesso mundial (o que perdura até hoje com o relançamento do filme em 3D neste ano), a conquistou o mundo com suas canções divertidas e belíssimas (de Hakuna Matata à Circle of Life filme é todo especial), e deu à Hans Zimmer (responsável pelo score) o seu único Oscar de melhor trilha sonora. Elton John e Tim Rice também levaram os seus, pela canção romântica do filme “Can you feel the love tonight”.

2- Leigh Harline, Ned Washington e Paul J. Smith- Pinoquio: A cada vez que iremos ver um filme da Disney, quando o mesmo se inicia, ouvimos uma canção em instrumental que nos lembra algo familiar, belo e doce. A canção é “When you wish upon a star” maior clássico da história das canções de animações de todos os tempos, e tema do filme “Pinoquio” de 1940. O filme que foi um tremendo sucesso (mas por causa da canção), acabou levando 2 Oscars (melhor trilha e melhor canção) e ficou marcado na vida de Disney por ser o primeiro filme do seu estúdio a levar um Oscar (Branca de Neve ganhou um especial, mas apenas foi indicado em melhor trilha), o que mostrou desde então a importancia das trilhas nas animações mais do que em qualquer outro tipo de filme. Um marco inesquecível na vida de inúmeras gerações que ficará para sempre eternizado.

1- Alan Menken e Howard Ashman- A Bela e a Fera: A bela e a fera é, possivelmente o maior filme de animação da história- da trilha ao roteiro, da força dos personagens à indicação ao Oscar de melhor filme (quando ainda eram apenas 5 indicados e não existia categoria de melhor animação), tudo no filme se encaixa como um clássico irretocável. O filme não tem musicas, ele é as musicas, onde sua história é contada através das mesmas. Na época a Rolling Stone afirmou- o melhor musical da Broadway não está na Broadway, mas nas telas do cinema. Com trilha de Alan Menken e letras de Howard Ashman (seria a ultima colaboração em um filme inteiro da Disney), Ashman foi o primeiro vencedor de Oscar póstumo por ter falecido de AIDS. E por mais que Deus tenha o tenha levado cedo, seu talento absurdo ficou para sempre eternizado, através das musicas de “A bela e a fera”.

Agora nos cinemas: "Missão madrinha de casamento" e "Quero matar meu chefe"

2011-10-02T21:30:00.007-03:00

Esta aí a que é, para muitos, a grande comédia do ano. Escrita, produzida e estrelada por Kristen Wiig, e com o aval de Judy Appatow, o filme é uma delícia e mostra que sim, mulheres sabem fazer comédia tanto quanto os homens.

O filme é centrado em Annie (Wiig), uma mulher que não está passando por uma fase muito boa na sua vida- ela fechou sua confeitaria, perdeu o namorado (e faz sexo casual com um idiota), trabalha num emprego que odeia e divide um apartamento com dois irmãos ingleses malucos. Sua melhor amiga é Lillian (Maya Rudolph) que está tentando lhe dar o maior apoio possivel. Quando Lilian fica noiva, ela claro, chama Annie para ser uma das madrinhas...ocorre que ela vai ter pela frente, uma "inimiga"que é a socialite Helen (Rose Byrne, hilária), a esposa do melhor amigo do noivo de Lilian, que fará de tudo para disputar as afeições de Lilian com Annie!

E por aí se desenvolve uma série de confusões, com direito à um novo amor na vida de Annie, o policial Nathan (Chris O´Dowd), e o reencontro dela com a mãe (quem faz é Jill Clayburgh e esse foi o ultimo filme dela).

As situações engraçadas são muitas, incluindo um piriri por irem à um restaurante brasileiro comer churrasco! O time de atrizes também é ótimo, e Kristen Wiig está excelente, bem como Rose e Melissa McCarthy que faz uma das madrinhas que trabalha para o serviço secreto. Jon Hamm também faz um cameo como o peguete idiota de Annie.

O filme além de sucesso de bilheteria, foi tão querido entre os críticos que há quem fale em indicação ao Oscar para melhor roteiro original e melhor atriz coadjuvante (para Melissa)...mas, independente dos prêmios que levar, o filme merece o reconhecimento por ser exatamente o que é: uma comédia bem feita, inteligente, e com muita personalidade!

nota: 9,0

Já "Quero matar meu chefe" é uma comédia bem masculina mas que ainda assim arranca muitas boas gargalhadas. O filme é centrado em 3 amigos que adoram seus trabalhos, mas detestam seus chefes e resolvem armar um plano para matá-los!

Nick (Jason Bateman) cria raiva pelo chefe porque este lhe prometeu o cargo de Vice Presidente, e acabou dando o cargo para ele mesmo (que já era o presidente) só para acumular ainda mais o poder da empresa para si mesmo (o chefe é interpretado pelo sempre ótimo Kevin Spacey). Já Dale (o ótimo Charlie Day) é um cara romantico (que na vida real não existe claro rsrsrs) que é assediado pela sua linda chefe (mas super maluca) Julia (Jennifer Anniston). E Kurt (Jason Sudeikis) tinha o emprego e o chefe perfeito (Donald Sutherland) até que este morre, e quem assume a empresa é o insano Bobby (Colin Farrel- irreconhecível e horrivel, dá de acreditar?), que age infantilmente e mal trata todos os funcionários.

E assim é o filme, centrado no trio das "vitimas" que sofre nas mãos dos seus chefes malucos (todos são doidos mas o unico realmente perigoso é o personagem de Spacey), e que cria este plano maluco para acabar com eles. O filme ainda tem uma participação especial de Jamie Foxx, como o ex presidiário que irá acessorar os rapazes no plano de assassinato (mas logo mais tarde se descobre que ele é um criminoso fajuto, já que fora preso por gravar um filme no cinema rsrsrsrs).

Mas o filme não tem nenhuma surpresa, e é dirigido pelo sempre regular Seth Gordon, com roteiro de Michael Markowitz (criador da série Becker).

Pra quem gosta de comédias com várias piadas soltas, é uma boa opção. Não chega a ser ótimo, mas se firma como um bom passatempo.

Nota: 7,0

Agora nos cinemas: "Amizade Colorida"

2011-09-29T15:16:00.003-03:00

Lembro no inicio do ano quando vi o trailer de "Amizade Colorida"...e pensei naquela época que se tratava de uma cópia de "Sexo sem compromisso", filme de Ivan Reitman estrelado por Natalie Portman e Ashton Kutcher que tratava do mesmo assunto. Para minha felicidade, embora seja um tema similar, "Amizade Colorida" é muito mais divertido, inteligente e perspicaz do que "Sexo sem compromisso" e ainda conta com atuações bem convincentes de Mila Kunis (que coincidentemente foi a rival de Portman em "Cisne Negro") e Justin Timberlake que mais uma vez prova que é melhor atuando do que cantando!!!

O filme começa com os dois protagonistas, em locais diferentes, levando foras de seus respectivos pares (quem faz a namorada de Justin que lhe dá um fora neste momento é a sempre excelente Emma Stone, aqui fazendo participação especial). Após da cena inicial, Jamie (Kunis) e Dylan (Justin), acabam tendo seus destinos cruzados, já que ela o "descobre" através da internet e acaba conseguindo com que ele se torne diretor de arte da GQ (e o convence a ir morar em Nova York, sendo que ele é de Los Angeles e ama sua cidade). Ambos se tornam grandes amigos e, por estarem necessitando de sexo, resolvem começar a transar para satisfazer suas necessidades...por ela ser totalmente desconfiada (por não saber quem é seu pai), e ele traumatizado pelos foras, ambos estabelecem este vinculo de modo seguro, já que não há mais do que sexo na situação...ocorre que, claro, o sentimento começa a surgir entre ambos, que terão de decidir qual rumo tomar em seu relacionamento.
O filme é engraçado, com ótimas piadas (não tem medo de ser irreverente), e um elenco de peso, que além dos protagonistas inclui Patricia Clarkson (que faz a mãe Hippie de Jamie), Richard Jenkins (que faz o pai de Dylan que é jornalista mas que está morrendo de Alzheimer), Woody Harrelson (que faz o jornalista esportivo da revista que é gay, mas em nada aparenta ser), e Jenna Elfman (que faz a irmã de Dylan). Com este grande elenco, que soa como um "presente" à Timberlake (afinal este é o primeiro filme protagonizado por ele e já vem com um elenco de apoio excelente), não é de duvidar que o filme esteja sendo muito querido por todos que já o viram. Outro fator positivo é a direção de Will Gluck, que anteriormente dirigiu o excelente "A mentira" e que aqui mostra mão firme para a direção, de modo muito ágil e diferente.
Incluindo cenas que sao quase musicais (São dois Flash-mobs, sendo um com a linda canção "Closing time" da banda Semisonic que é o tema do casal), e muitas cenas divertidas, "Amizade Colorida" é uma comédia romantica nata, mas que pelo seu dinamismo e inteligencia consegue cativar tanto homens quanto mulheres.

Nota: 8,0

Agora nos cinemas: "Pronta para amar"

2011-09-16T20:41:00.003-03:00

Por algum motivo obscuro, o adorável longa "Pronta para amar" ainda não foi lançado nos cinemas americanos. Produzido pelos irmãos Weinstein, o filme é um drama tão bem acabado que acaba sendo mais leve e doce do que muitas das comédias românticas que estão atualmente em cartaz.

O filme, que é protagonizado por Kate Hudson, conta a história de Marley, uma independente e bem sucedida empresária que no auge de sua carreira descobre que está com um cancer terminal. Tentando enfrentar a situação da melhor maneira possível, ela acaba conhecendo o Dr. Julian Goldstein (Gael Garcia Bernal), um médico bonito e tímido que se apaixona por ela quase que instantaneamente, e que irá acompanhá-la até o final de sua vida.

É interessante que o filme seja o segundo longa de Nicole Kassell, que anteriormente dirigiu o pesado e sombrio "O lenhador", o roteiro é de uma estreante, Gren Wells, mas mesmo assim é muito bem feito, onde a tristeza da história perde passo para uma leveza realmente muito positiva. Um dos aspectos mais interessantes do filme é o modo como as pessoas ao redor de Marley reagem: do pai frio que tenta aproximação (que é interpretado por Treat Williams), à melhor amiga que simplesmente não consegue enfrentar a situação, até a mãe da protagonista que dá suporte para a mesma em todos os momentos (feita pela sempre ótima Kathy Bates). O filme ainda traz Lucy Punch como a amiga que irá Marley e Whoopi Goldberg como Deus (no caso no filme Marley sabe que Whoopy é Whoopy, que seria apenas a personificação do supremo).

Outro ponto positivo da trama é a trilha sonora de Heitor Pereira, um dos brasileiros mais bem sucedidos em Hollywood e a naturalidade com que Hudson interpretou a personagem, ficando sem maquiagem na maior parte do tempo (e ainda assim continua belíssima), e dando um tom muito bonito pro personagem, que enxerga o mundo de um modo muito suave e sabe que tem que enfrentar seus problemas, com o menor drama possível.

Enfim, por mais que a história teria tudo para ser um grande drama, ela nada mais é que um romance açucarado e contente, que faz com que o expectador consiga perceber a beleza da vida, por mais que ela se mostre ingrata às vezes.

nota: 8,0

Agora nos cinemas: Larry Crowne

2011-09-11T13:43:00.002-03:00

Qualquer filme que tenha os nomes Tom Hanks ou Julia Roberts no elenco já chama a atenção por si só. Quando os dois então estrelam um projeto, é impossível não se interessar pelo longa em questão. Infelizmente "Larry Crowne" não sobrevive ao fato de ser protagonizado pelas duas estrelas, que além de estarem no piloto automático não conseguem ter química entre si. E o pior disso tudo? É que a direção e roteiro são assinados pelo próprio Hanks (o roteiro é dividido com Nia Vardalos) em um filme totalmente comum e sem sal.

Aqui acompanhamos o personagem título, que começa o filme sendo demitido do seu trabalho simplesmente porque não tem uma graduação. Resolve então mudar de vida e voltar a estudar, onde claro acaba se apaixonando por sua professora de oratória, Mercedes (Roberts) uma mulher inteligente mas desacreditada que tem um marido rico viciado em pornografia de internet. Larry ainda faz outros amigos como por exemplo a adorável Talia (Gugu Mabtha Raw) que o inclui em um grupo muito bacana de motoqueiros, e é contratado por um restaurante para ser chef de cozinha (profissão que ele exerceu trabalhando na marinha durante 30 anos- e esta é a explicação dele não ter uma faculdade). Ele ainda tem 2 vizinhos bacanas- Bella (Taraji P. Henson, muito desperdiçada) e Lamar (Cedric the entertainer). Tudo muito bonitinho mas muito vazio.

O problema de Larry Crowne é que tudo é previsível demais, a história não empolga (custa a acreditar que a mesma tenha menos de 90 minutos de duração) e os personagens são mal desenvolvidos (por mais que Larry tenha problemas não dá de acreditar como ele será tão ajudado pelos outros em um mundo como este em que vivemos)...além claro de Roberts e Hanks serem estrelas demais para conseguirem interpretar seres tão comuns quanto Larry e Mercedes.

Infelizmente, este é um filme nada- é mais uma comédia romantica ordinária, igual à tantas outras por aí...e, se você é fã de Roberts e Hanks, é melhor ver outros filmes da dupla como "O casamento do meu melhor amigo" e "Forest Gump".

nota: 5,0

Melancolia

2011-09-08T01:46:00.001-03:00

Diz Lars von Trier que Anticristo foi feito a partir de imagens e sensações derivadas de pesadelos oníricos ou lúcidos que o roteirista e diretor teve ao enfrentar uma severa depressão. Evidentemente, qualquer um que assistiu ao filme anterior não duvida disso. Contudo, se Anticristo era em estrutura fruto de uma depressão, é Melancolia a obra que carrega o fardo de discutir tal experiência psicológica em seu aspecto mais solitário e triste.

Dividido em dois capítulos, cujos títulos dedicam-se aos nomes de suas personagens principais, Justine (capítulo primeiro) se dedica nos festejos graças ao matrimônio da personagem homônima (Dunst), que parece viver um inferno particular. Esforçada ao esboçar alguma felicidade diante do grande momento de sua vida pessoal, Justine é visivelmente deslocada naquele contexto, sendo chocada, aos poucos, às ruínas de seu próprio universo: seu noivo é um companheiro compreensível, ainda que omisso; sua mãe lhe define, a todo instante, a palavra amargura, com posições e falas impertinentes à situação; seu pai parece possuir especial descaso para com todas as mulheres, inclusive as de sua vida, mostrando-se sempre autofocado; seu chefe é especialmente sem tato ao fazer do casamento um teste profissional e sua irmã, Claire (Gainsbourg) é quem carrega o fardo de sustentar as dores da irmã, ainda que, para isso, não hesite em demonstrar seu cansaço e irritabilidade.

Por outro lado, Claire trará o pano de fundo de toda a obra. A aproximação do planeta Melancolia (sensível falta de sutileza do diretor, que perdoamos com inquestionável facilidade ante a obra apresentada) torna-se, aos poucos, uma ameaça para Claire, a personagem, que recusa-se a acreditar na possibilidade do apocalipse – apesar de muito se assustar com a tal – mas que, aos poucos encontra o fim de sua vida pessoal: tudo aquilo que Claire conta para se manter como uma pessoa equilibrada começa a desmoronar: todos os contratos sociais a sustentar sua vida desaparecem ante o iminente fim do mundo. Neste momento, von Trier nos traz sua crueza tão característica: a desgraça da humanidade, ainda que definhe Claire aos poucos é, ao mesmo tempo, um acalento para Justine.

E aos dois capítulos é acrescido um impressionante prólogo – ainda melhor que o estonteante de Anticristo – no qual o apocalipse é retratado como em um pesadelo, antecipando que aquele evento não deve ser encarado pelo espectador como um suspense com possibilidade de final menos infeliz: o mundo acabará, não há esperança.

Enquanto a primeira parte do filme nos remete a algumas características do Dogma 95, dentre eles a crueza visual e a câmera insistentemente em mãos e livremente movimentada, Claire é realizado através de planos mais comportados e contemplativos, sem grande movimento. O roteiro de von Trier é enxuto, direto e cinicamente honesto, ao passo que, novamente, as escolhas são ainda mais elogiáveis ao papel de diretor. Não há como não destacar a beleza do fim do mundo acompanhada pela ópera Tristão e Isolda, de Wagner (encontrando aqui uma acidental e bela rima com o pífio A Árvore da Vida, cujo único momento de honesto impacto se deve ao Gênesis – o Big Bang – acompanhado por Lacrimosa, de Preisner).

Kristen Dunst condensa com merecimento todos os elogios ao elenco da obra, entregando-se integralmente àquele que é, por ora, o melhor papel de sua carreira. A Gainsbourg coube um papel menos histriônico do que visto na obra anterior do diretor, enquanto, no elenco secundário, destacam-se Charlotte Rampling, a mãe, e Stellan Skarsgard. É gratificante a oportunidade de ver Kiefer Sutherland parado e sem armas na mão, enquanto, de fato, gostaria de ver Alexandre Skarsgard em um papel dramático um pouco mais destacável – algo que o ator não encontrou por aqui.

No final das contas, Melancolia deve ser a obra mais comportada e comum de von Trier desde Dançando no Escuro (destaco que não tive a chance nem o interesse de conferir O Grande Chefe), no entanto, não encontra nenhum demérito por isso, sendo, ao mesmo tempo, um de seus melhores filmes. E, novamente, me vejo obrigado a dizer que apesar de nos dar uma experiência única a cada nova obra, ainda sonho com o dia que o diretor retome a ideia de concluir sua trilogia iniciada por Dogville. Também sou obrigado a dizer que é uma lástima o fato de que, num dos melhores momentos de sua carreira, o diretor se manche tanto e roube a atenção para suas impensadas e ignorantes palavras no festival de Cannes sobre sua identificação com Hitler. Ainda que não tenha sido uma fala tão devastadora quanto a reação causada, não deixou de ser apontável ignorância desnecessária por parte do diretor.

Nota: 9,0

Contra Corrente

2011-09-07T17:44:00.002-03:00

Houve um tempo, especialmente até alguns anos atrás, no qual eu regularmente me pegava pensando, em uma autocrítica, se os filmes com temáticas homossexuais contavam com certa simpatia imediata de minha parte. A conclusão foi simples: sim e não. Sim, à medida que, por ainda ser um tabu, filmes bobos e leves como De Repente Califórnia, comédia romântica ao pé da letra do termo, ainda são raridades e acabam ganhando alguns pontos comigo. Por outro lado, não, pois quando o filme é ruim, independente da temática, eu acabo metendo o bedelho (como o superestimado Minhas Mães e Meu Pai e o covarde-sem-ponto Do Começo ao Fim).

Digo isso por um motivo muito simples... Ainda não sei explicar a razão, mas Contracorrente, apesar de sua obviedade e deslizes de seu roteiro, me ganhou por completo. Refiz-me tal crítica e pude observar que não se tratava disso, mas sim daqueles pontos que, apesar de termos reclamações pontuais e precisas, somos embalados por uma narrativa sem precisarmos de um grande motivo. Felizmente, não se trata de um guilty pleasure, longe disso.

Miguel (Cristian Mercado, que sustenta o filme com invejável facilidade) é pescador de uma comunidade humilde, casado e prestes a ser pai. Além das funções que lhe cabe, ele dedica parte de seu tempo livre a uma transgressora paixão por Tiago (ou Santiago, o filme nunca se resolve, mas, no caso, o ator Manolo Cardona, também ótimo), fotógrafo e artista plástico “estrangeiro” que visita o vilarejo com finalidades artísticas, mas ali se finca para ficar perto de seu amor. E, apesar do conflito óbvio na trama, ela se desenvolverá de tal maneira surpreendente que seria desrespeitoso revelar mais alguma coisa (e, por favor, evitem críticas na internet: ninguém soube respeitar o segredo).

Acontece que tal desenvolver do filme, apesar de uma grande inovação na temática gay, é um tanto frustrante. Seguindo passos óbvios, já sabemos de antemão todos os rumos possíveis à trama, e eles acontecerão, um a um. Mesmo com essa evidente reclamação, devo manter que é um filme cativante. Da atuação de seu elenco principal (e, sejamos honestos, inclui-se aí a beleza física do casal protagonista) à intimista fotografia litorânea do Peru, o filme vai nos ganhando aos poucos, e talvez ainda mais após o seu final (clichê). A obviedade do roteiro é sensibilizada se considerarmos que a produção voltada às temáticas gls na América Latina é deveras limitada e, assim sendo, temos uma grata surpresa.

E devo dizer que, apesar de limitado e acovardado em alguns aspectos, o filme tem em si duas sacadas muito interessantes: a primeira, um belo desenvolvimento sobre visibilidade (ou invisibilidade), tendo uma simples cena na qual o casal anda de mãos dadas pelo vilarejo o seu ponto alto. A segunda está em seu conceito de estrangeiro: a origem de Santiago nunca é explicitada, e seu deslocamento naquele contexto se deve muito mais à sua profissão artística e a sua comentada homossexualidade do que a alguma questão óbvia de território. Pontos positivos, além das pontuais alfinetadas à religião.

Escalado para o Festival Mix 2010 – que vem se mostrando a cada ano mais interessante e bem organizado – o filme entrou em circuito “comercial” em abril de 2011, e como sua distribuidora – a bem-intencionada Festival Filmes – ainda é pequena na tentativa de desbravar o mercado nacional de DVDs, recomendo que o filme seja baixado na internet para que possa ser conferido.

Nota: 7,0

A partir deste parágrafo, ler apenas caso já tenha visto o filme ou se não se importar com spoilers:

Há alguns comentários sobre a semelhança desta obra com Dona Flor e Seus Dois Maridos. Sim, esta é a surpresa do filme: Santiago, o fotógrafo, morrerá mais ou menos aos 40 minutos de projeção - contudo, seu espírito não encontra liberdade nem paz, recorrendo sempre à proximidade de Miguel. Aqui há um ponto bacana de ser debatido: a abordagem espiritual do projeto é justamente seu ponto falho. Além de toda a trama óbvia sobre o luto e a aceitação de si, há um impasse no roteiro se ele busca uma trama sobrenatural, com aparições reais da alma de Santiago, ou se é um drama psicológico, e o personagem aparece apenas quando invocado pelo seu amante. Não é bobeira distinguir as duas possibilidades, uma vez que cada uma daria contornos próprios à trama, e é assustador como o roteiro se divide entre ambas. Contudo, apesar da diferença óbvia (Dona Flor é uma comédia rasgada), creio ser uma inspiração/referência inegável. Surpreendentemente, Javier Fuentes-León aparenta ser um fã de novelas brasileiras, não apenas dedicando um breve diálogo do filme para homenageá-las como centrando na novela O Direito de Amar uma bonita metáfora perto do desfecho da trama. Então concordo com os espectadores que pontuaram o fato de que a semelhança entre ambas as obras transpassam a mera coincidência.

A Serbian Film - Terror Sem Limites e reflexões livres sobre censura

2011-09-07T04:14:00.002-03:00

É inútil começar escrevendo que nenhum filme este ano (e, sei lá, nos últimos 10, talvez) causou mais polêmica que o terror do estreante diretor Srdjan Spasojevic "Terror Sem Limites" - censurado num incontável número de países, dentre eles, o Brasil. E como onde há fumaça, há fogo, e sou movido pela curiosidade, evidentemente acreditei que assistir ao filme faria com que eu tivesse uma opinião mais centrada sobre o assunto.

Mea culpa. Mea maxima culpa.

Entretanto, de fato, agora posso me expressar melhor sobre a obra. Num estilo narrativo que não deixa de ter certos ecos de Anticristo, por aqui, perdemos a noção do que é pesadelo e do que é real na narrativa, e embarcamos em um doentio mergulho pela proposta do diretor. Acontece que, verdade seja dita, parte da violência física do filme - excluindo-se aí suas considerações sobre a violência sexual - fica aquém dos explícitos gores-blockbusters como a série Jogos Mortais ou O Albergue. Mas, como polêmica pouca é bobagem, entramos nos tabus sexuais. Acerta o diretor em esfregar na cara de seu público que há um profundo caráter sexual no sadomasoquismo e que, uma vez sentado num cinema para assistir pessoas esquartejando seus corpos em armadilhas, há um aspecto perverso de nossos espíritos em jogo.

A parte "coerente" do filme pára por aí. Caso alguém realmente se importe com spoilers por desejar ver a obra, sugiro que pulem o seguinte parágrafo, e sigam direto para o outro. Contudo, sugiro também que poupem seus estômagos e se contentem apenas com o resumo da ópera:

A violência sexual do filme é gradual, e já começa bem apelativa. Milos, ex-ator pornô é convidado por um diretor para estrelar um filme cujo conteúdo seus realizadores não sabem se é mera pornografia ou aspira à arte. Há um jogo de resistência sobre quais limites do ator poderão ser quebrados no desenvolver de tal obra. Inicialmente, ele parece ter repulsa por qualquer traço de violência na gravação do filme, mas rende-se a um violento jogo psicológico começando atrocidades cada vez maiores. No primeiro sinal de que algo não vai bem, Milos transa com uma mulher enquanto lhe são expostas imagens de uma garota, menor de idade, chupando um sorvete. Isso se desenrolará na seguinte maneira: em outra cena ele se verá obrigado a bater na mulher com quem transa, passa para a mulher "morta" com a qual ele também transará. Para lhe provar que a ambição do filme é válida e inovadora, o diretor lhe apresenta um vídeo no qual um médico, ao fazer o parto de um recém-nascido, sodomiza a criança. No fim, chegar-se-á ao ponto de Milos estuprar - sem saber - sua própria família (inclusive seu filho menor de idade), para, no fim, toda a família se suicidar e dar-se a entender que um novo diretor filmará um novo maníaco transando com a família morta.

Além da trama explicitamente visual a embrulhar o estômago, A Serbian Film é simplesmente doente por, ao contrário do que foi apregoado aos quatro ventos, não ter nenhuma outra intenção em mãos para seu material. Que não me venham com as alegações de metáforas sobre a barbárie humana, muito menos sobre as críticas políticas. Talvez o que exista mesmo, de leve, são moralistas considerações sobre a indústria pornô - uma vez que, mesmo não sendo bem vista socialmente, não merece tal analogia. Como disse, o máximo que aceito como proposta do filme seria uma crítica da indústria de filmes gore e seus espectadores. Contudo A Serbian Film reproduz com maestria aquilo que talvez ele critique: seu roteiro é, em última análise, uma metalinguagem do que a obra se torna: uma pornografia doente, masoquista - e sádica - que infelizmente encontrará algum público que sinta prazer em vê-la.

Dito isso, sou obrigado a concluir o texto defendendo, ainda assim, a não-censura de filmes no país. Apesar da violência, seria ainda mais doentio ver no filme qualquer traço de apologia a qualquer coisa e, bem ou mal, todas as suas cenas foram gravadas respeitando ao máximo às leis que lhe convém (ou seja, é estranhamente necessário ressaltar o fato de que nenhuma criança ou recém-nascido foi abusada sexualmente para sua realização, assim como nenhum assassinato ocorreu). Talvez fosse o momento de se refletir se é necessário a criação de uma nova classificação etária - 21 anos (e as classificações etárias eu defendo, uma vez que ajuda os exibidores a legitimarem sua proibição na venda dos ingressos) ou algo do tipo... Acontece que, em última análise, repulsivo ou não, se estamos em um país onde a democracia vigora, que cada exibidor e espectador tenha o direito de resolver aquilo com o que se envolverá ou não. E, verdade seja dita, não fosse tal polêmica, dificilmente o filme sobreviveria mais do que uma semana nas salas de exibição - assim como não viraria um alvo tão óbvio para downloads virtuais, por toda e qualquer faixa etária.

No entanto, também não há como se fazer de cego para uma situação como essas. Ainda que contra qualquer tipo de censura, devo admitir que há evidentemente como compreender um filme causar tamanho mal estar. Que o público fique feliz com o fato de que não está perdendo grande coisa - e que, além disso, é uma obra de fácil acesso na internet. Contudo, precisamos ficar de olho. Qualquer iniciativa que pontualize uma intenção de se definir o que é o bom senso do arbítrio de outrem é igualmente um grande incômodo.

Se ainda for necessário a nota do filme... Que fique... 1,0

---

(Infelizmente este filme quase estragou minhas últimas excelentes experiências cinematográficas, a saber: Incêndios, Contracorrente e A Rosa Púrpura do Cairo. Fico devendo crítica dos dois primeiros, assim como a de Melancolia, próxima que devo escrever. Devido a nossos acordos e divisões de filme, me comprometi com a Vivi para não dar meu destrutivo parecer sobre o embuste A Árvore da Vida).

Videocast: Indicados ao Emmy 2011- categoria Minisseries e Filmes para TV

2011-09-05T23:19:00.002-03:00

Oi gente, aqui está a minha análise sobre os indicados nas categorias envolvendo melhor minissérie/filme para TV do Emmy, espero que gostem (tem partes que eu meio que me esqueço do nome das pessoas rsrsrs, tava lesada no dia gente rsrsrss).

Bjus,

vivi

Agora nos cinemas: Professora sem Classe

2011-08-25T13:30:00.002-03:00

Chegou semana passada aos cinemas esta comédia que inverte os valores dirigda por Jake Kasdan (filho de Lawrence Kasdan e que já dirigiiu previamente a comédia "Walk Hard" com John C. Reilly), onde uma professora caça maridos, ao seu largada pelo noivo rico (porque a mae do mesmo breca o casamento por saber que ela é uma golpista), tem que voltar a dar aulas, de um modo nada convencional e nada educativo.

Diaz faz Elizabeth, a professora sem classe em questão que para passar o tempo de seus alunos passa filmes para os mesmos, não é nada amigável com os colegas, e só quer saber de ganhar dinheiro para colocar silicone. É cortejada pelo professor de educação fisica (Jason Segel), mas se interessa pelo nerd professor vivido por Justin Timberlake (seu ex noivo) que é milionário. Acontece que ele começa a namorar outra professora do colégio, a boazinha demais Amy (Lucy Punch, que muitos não gostam mas que eu acho genial), e as duas se tornam rivais. Ela ainda divide um apartamento com um motoqueiro maluco (Eric Stonestreet, claramente fazendo uma satira, principalmente por ser famoso por um papel totalmente gay no excelente "Mordern Family"), e ao descobrir que seus alunos podem conseguir uma quantia em dinheiro por causa de um teste, vai fazer de tudo para que os mesmos passem.

Enfim, o interessante aqui é que torcemos pela vilã, não pela mocinha, e as situações, por mais grosseiras que sejam, nos são apresentadas de um modo hilário e cativante, fazendo com que homens e mulheres se divirtam com o filme. O roteiro, da dupla Gene Stupnitsky e Lee Eisenberg (os roteiristas da série "The Office") é bom o suficiente para fazer com que o publico aceite a protagonista, por mais desmiolada e sem escrupulos que ela seja. E Diaz está ótimo, bem como o resto do elenco (Timberlake excelente, mas com ela não combina, como pode isso?).

Um filme inteligente, ácido e bem feito, onde a bela atriz mostra sua versatilidade e seu talento.

nota: 7,5

Agora nos cinemas: "Um sonho de amor"

2011-08-22T12:12:00.001-03:00

Gente, finalmente chega ao país o longa "Um sonho de amor"- I am love, onde Tilda Swinton dá um banho de interpretação! Como gostei muito do filme, resolvi fazer um videocast do mesmo:

Espero que gostem!

Mil beijos,

vivi

Agora nos cinemas: Smurfs em 3D

2011-08-18T10:34:00.004-03:00

Criado pelo belga Pierre Culliford, mais conhecido como Peyo, os Smurfs ficaram famosos mundialmente com os comics e, posteriormente com a série de desenhos que foi considerada uma das 100 mais importantes da historia da TV, e a mais importante da década de 80. 30 anos depois de estrelarem uma série de televisão, os Smurfs chegam às telonas, em uma comedia live action em 3D dirigida por Raja Gosnell, que surpreendeu nas bilheterias por ser atualmente o filme mais visto mundialmente.

Optando por uma trama live action, aqui os bichinhos azuis vão parar em Nova York para fugirem do sempre vilão (e nada inteligente) Gargamel (feito por Hank Azaria), que quer porque quer destruir os Smurfs para ficar com o poder dos picurruchos para dominar o mundo (isso claro com a ajuda do gato cruel- este sim muito esperto), sendo que eles acabam entrando na vida de Patrick (Neil Patrick Harris), e Grace (Jayma Mays) um jovem casal, ela gravida, e ele diretor de marketing de uma marca de cosmeticos comandada por uma vilã mão de ferro, Odile (interpretada por Sofia Vergara), que vão virar a vida de todos de cabeça para baixo, mas tambem ensinar muitas lições para o casal.

O filme é extremamente leve, e claro, por ter como casal dois dos atores mais queridos da TV (Neil veterano e adorado, Jayma conhecida por Glee), faz com que o publico se afeiçoe pelos protagonistas, principalmente pelo elo que eles constituem com os smurfs (papai smurf, smurfete e desastrado em especial), onde o longa reforça a relação de família, algo que está se perdendo nos dias de hoje. O filme ainda é engraçadíssimo, mas sem ser bobão (como os anteriores Scooby Doo de Raja), embora Hank Azaria caia um pouco na caricatura com seu Gargamel (algo que é suprimido pelo hilário gato Cruel). O 3D ainda é bem utilizado, sem ser grosseiro ou rude, mas ainda assim eficiente. E ainda tem a trilha sonora do brasileiro Heitor Pereira (que habitualmente trabalha com Raja), que incorpora bem o tema dos Smurfs de modo eficiente e inteligente. O filme ainda homenageia o criador dos Smurfs, Peyo, quando os mesmos vão à uma loja de livros antigos e acham o primeiro comic que Peyo fez sobre os Smurfs!!!! Esta cena com certeza emociona, pela maneira delicada e bonita com que foi feita. Outro favor positivo são as dublagens (em inglês foi feito por um time de astros encabeçados por Katy Perry e Alan Cumming mas em português pelo que eu me lembre algumas vozes são as mesmas dos desenhos!) que deixam os bichinhos ainda mais fofos e adoráveis. Mas o mais interessante é o fato dele conseguir atingir tanto as crianças da nova geração que estão adorando o filme e realmente se divertindo (para terem idéia, na minha sessão as crianças presentes bateram palmas no final!).

Conseguindo atingir os adultos e as crianças, o longa se revela um otimo entretenimento para todos, sendo engraçado e com boas intenções na medida certa.

nota: 8,0

Minha volta e filmes que eu vi no avião

2011-08-10T17:08:00.006-03:00

Oi genteeeeeeeeeeee, sentiram saudades de mim?????? Eu passei um mês de férias na Itália e em Portugal, mas agora estou de voltaaaaaaaaaaa! E claro, volto a postar aqui! Quase não vi filmes pois com tantas cidades que conheci, foi realmente impossível parar para assistir algum filme! Então, os únicos longas conferidos por mim durante o mês de julho/inicio de agosto, foram aqueles vistos no avião, e olha que eu até que consegui ver alguns filmes- foram 5 no total: Lês emotifs anonymes, Potiche, Win Win, Cinema Verité e There be Dragons, e eu agora falo um pouquinho destes filmes (sem estragar a surpresa é claro) e sobre o que eu achei deles:

Lês emotifs anonymes: Este é um adorável filme francês estrelado por dois atores que eu gosto muito: Benoit Poelvoorde e Isabelle Carré que interpretam duas pessoas extremamente tímidas e sensíveis que amam chocolate. Ele, Jean- René, é dono de uma fábrica de chocolates que está falindo e ela, Angélique, é uma chocolateira de mão cheia que não consegue expor o seu talento devido sua timidez. Quando Jean contrata Angélique para ser vendedora dos chocolates, eles não só se apaixonam como vão afetar totalmente a vida um do outro. Imitando a dinâmica verde e vermelha de Amélie Poulain, mas dentro de uma estrutura opaca, “Lês emotifs anonymes” é uma belíssima obra que encanta o espectador por sua simplicidade e doçura. Nota: 8,5

Win Win: excelente longa dirigido e escrito pelo sempre competente Thomas McCarthy (que anteriormente dirigiu “O visitante” e “O agente da estação”) e que aqui narra a historia de um advogado frustrado vivido por Paul Giamati que vê sua condição financeira melhorar ao assumir a tutela de um de seus clientes. Acontece que o neto do individuo aparece e, além de se tornar elo fundamental na sua família, demonstra um talento extraordinário para a luta romana, esporte sob o qual o protagonista é técnico em uma high school. Com um elenco de apoio sensacional (Amy Ryan, Bobby Cannavale, Jeffrey Tambor, Melanie Lynskey e Margo Martindale) e a revelação chamada Alex Shaffer (Win Win foi o seu primeiro filme e antes ele era realmente lutador no high school!), esta comedia deliciosa é um dos melhores filmes do ano, e mais uma vez Giamati mostra porque é um dos melhores atores do mundo hoje. Nota: 9,0

Potiche- esposa troféu: Não posso dizer que “Potiche-esposa troféu” foi especialmente uma decepção, mas eu realmente esperava mais do filme que tem uma das minhas atrizes favoritas como protagonista: Catherine Deneuve. Aqui, François Ozon mais uma vez utiliza o exagero ao seu favor, ao fazer uma comédia leve e interessante que tem um elenco de astros (Gerard Depardieu, Fabrice Luchini, Karin Viard e Jérémie Renier são alguns dos nomes) mas que se torna cansativa e às vezes deslocada. O filme gira em torno de Suzanne, que, tem como marido Robert (Luchini) um crápula que administra a fábrica de guarda-chuvas herdada pela esposa (uma referência clara ao longa “os guarda-chuvas do amor” clássico francês estrelado pela diva e um dos meus filmes favoritos:D) sendo que ele a trai sem piedade com a secretária (Viard), trata mal os filhos, e é péssimo administrador da fábrica, o que causa uma greve comandada por Babin (Depardieu) antigo amor da protagonista. Quando Robert infarta, é Suzanne quem assume a direção da fábrica, mostrando que é muito mais do que simplesmente uma jarra de luxo. Um bom filme, que às vezes se rende ao kitsch, mas que poderia mostrar muito mais devido sua boa proposta. Nota: 7,0

Cinema Verité: Filme feito pela HBO que conta a história real da família Loud, que foi a primeira a ser alvo de um reality show que mudou a vida da família e da sociedade americana. Protagonizado por Diane Lane, Tim Robbins e James Gandolfini, o filme que tem inúmeras indicações ao Emmy (incluindo melhor atriz e filme/minissérie para tv) é uma grande obra, onde Diane já um show em cena e a história é no mínimo comovente. Onde está o limite entre a ética e a televisão? Entre a verdade e o sensacionalismo? Este é o alvo discutido por “Cinema Verité” feito de modo brilhante e ácido. Nota: 8,5

There be Dragons: dizer que o novo longa de Roland Joffé é ruim seria no mínimo um exagero, mas o filme poderia ter seguido um rumo único, já que ele retrata a guerra espanhola na década de 30 em paralelo com a vida de Josemaria Escrivã, o fundador da Opus Dei...não seria muito mais lógico e correto que o longa fosse uma biografia do mesmo? Até porque o escolhido para ser protagonista da trama é o sempre competente Charles Cox, que mais uma vez mostra qualidade em sua atuação, enquanto Wes Bentley faz o seu rival de modo muito superficial e pouco notório. Estão no elenco ainda Dougray Scott (ótimo como o jornalista que está escrevendo a biografia de Josemaria), Olga Kurylenko (como o interesse romântico de Manolo, personagem de Bentley) e Rodrigo Santoro, ótimo como Oriol, um líder politico sob o qual a personagem de Olga se apaixona. O filme ainda tem participações pequenas de Grealdine Chaplin, como uma ama e Ana Torrent, como a mãe de Josemaria. No mais destaca-se a belíssima trilha de Stephen Warbeck, sempre notório e a fotografia de Gabriel Beristain. Um belíssimo filme, mas que poderia alçar vôos muito mais altos, principalmente por ser realizado por um diretor que sabe fazer este tipo de historia de modo denso e natural. Nota: 7,0

Bem gente, foram estes os filmes que eu vi nos meus vôos de partida e retorno da europa, logo mais pra frente eu estarei fazendo posts sobre lugares que eu visitei que serviram de cenário para filmes famosos.

Mil beijos e saudades,

vivi

30 Days Film Challenge

2011-08-05T14:56:00.001-03:00

Dia 24 - Seu documentário favorito A Marcha dos Pinguins

http://t.co/cmU2gTx

pra mim o documentario mais fofo da historia, lindo demais!!!

30 Days Film Challenge

2011-08-03T17:46:00.001-03:00

Seu filme de desenho animado favorito: Aladdin

http://t.co/abwZo4S

Trilha magnifica, personagens cativantes e um mundo de sonhos que descobri na primeira vez que fui ao cinema, aos quatro anos, ver Aladdin:D

30 Days Film Challenge

2011-08-02T15:02:00.003-03:00

Dia 22 - Seu suspense favorito: Não tem o que dizer gente, é O silencio dos inocentes né?

http://t.co/NneuiBa

Por que? Porque Dr. Hannibal Lecter é lenda!!! Anthony Hopkins rules:D

30 Days Film Challenge

2011-08-01T17:04:00.002-03:00

Dia 21 - Seu filme favorito ficção científica: Metropolis

http://t.co/wHNgbDi

porque esse filme é MARA:D

30 Days Film Challenge

2011-07-29T17:02:00.002-03:00

Dia 20 - Seu filme romântico favorito: O brilho de uma paixão

http://www.imdb.com/title/tt0810784/

Simplesmente porque metade do filme choro e metade suspiro, e John Keats é meu poeta favorito de all times!

30 Days Film Challenge

2011-07-28T15:37:00.002-03:00

Dia 19 - Seu filme de ação favorito: Os intocaveis, obra prima de Brian de Palma

http://t.co/RJC4xL1

MASTERPIECE! Tem muito tiro mas tem excelentes atuações...e a trilha SOBERBA de Ennio Morricone, quem concorda cmg que ele deveria ter levado o Oscar naquele ano levanta a mão! Minha faixa favorita ainda é o main theme, um CLÁSSICO:D

30 Days Film Challenge

2011-07-28T15:31:00.000-03:00

Dia 18 - Sua comédia favorita: Tudo para ficar com ele

http://t.co/fxnwKwH

Poderia dizer algum dos filmes que AMO do Woody Allen, mas esse filme nada oscarizável ou premiado me faz rir do inicio ao fim...nunca Cameron Diaz esteve tão engraçada gente!

30 Days Film Challenge

2011-07-26T11:25:00.002-03:00

Dia 17 - Seu drama favorito: Em busca da terra do nunca

http://t.co/6j8cC5K

Porque apesar de eu me segurar pra não chorar o filme inteiro, tem partes que realmente me fazem soluçar de tanto choro rsrsrs

30 Days Film Challenge

2011-07-26T11:23:00.002-03:00

Dia 16 - Um filme que você usou para amar, mas agora odeia

http://t.co/XOwTtMm

Não entendi essa, mas tem um filme que eu amava quando criança e que eu acho um saco hoje em dia (passou na sessão da tarde demais acho eu)- Os batutinhas... filme chato rsrsrs

30 Days Film Challenge

2011-07-26T11:21:00.003-03:00

Dia 15 - O filme que retrata a sua vida: Jusqu'à toi

http://www.imdb.com/title/tt1094668/

Porque me identifico com a protagonista, e adoro os estratagemas dela! Ah claro, e Melanie Laurent é uma das minhas atrizes favoritas:D

30 Days Film Challenge

2011-07-21T09:20:00.003-03:00

Dia 14 - O filme que ninguém esperava que você goste: Un Profhète de Jacques Audiard

http://www.imdb.com/title/tt1235166/

Porque embora o filme seja excelente e todo mundo sabe disso, não é bem o meu estilo de filme (i´m a romantic),mas mesmo assim eu o adoro:D

30 Days Film Challenge

2011-07-21T09:18:00.003-03:00

Dia 13 - A Guilty Pleasure- Pode ser Mamma Mia?

http://www.imdb.com/title/tt0795421/

Pq todo mundo fala mal do filme mas eu A-D-O-R-O!

30 Days Film Challenge

2011-07-19T14:46:00.003-03:00

Dia 12 - Um filme de um péssimo diretor- "Em nome do rei" do pior diretor do mundo: Uwe Boll

http://imdb.to/4vWHyq

Escolhi este filme em específico justamente por ter um elenco bacana: Jason Statham, Claire Forlani, Ron Perlman e Leelee Sobieski são alguns dos nomes que integram este filme que não é ruim, É HORRÍVEL! E que merecidamente venceu o framboesa de ouro de pior diretor haha

30 Days Film Challenge

2011-07-19T14:42:00.003-03:00

Dia 11 - Um filme do seu diretor favorito: "A fraternidade é vermelha" de Krzysztof Kieslowski

http://www.imdb.com/title/tt0111495/

Porque além de ser a obra máxima de Kieslowski, é uma obra que expõe alma e coração, força e medo, poder e angústia e beleza e amor:D

30 Days Film Challenge

2011-07-15T15:05:00.002-03:00

Dia 10 - Um filme com sua atriz favorita- "A princesa e o plebeu" protagonizado por Audrey Hepburn.

http://imdb.to/QQ9y

Porque embora "Bonequinha de Luxo" a defina como ícone fashion, é em "Roman Holiday" que Audrey mais brilha, com cara de sapeca e vivendo intensamente uma belissima tarde de verão em Roma...

30 Days Film Challenge

2011-07-14T16:46:00.001-03:00

Dia 9 - Um filme com seu ator favorito: "O Morro dos ventos uivantes" de 1939 protagonizado por meu ator favorito: Laurence Olivier

http://www.imdb.com/title/tt0032145/

Porque além de ter sido a primeira indicação ao Oscar dele, ele é o melhor Heathcliff da história do cinema! E dirigido por William Wyler! Impossível não amar este filme:D

30 Days Film Challenge

2011-07-13T16:33:00.002-03:00

Dia 8 - O filme com as melhores quotes pra citar (e parecer intelectual): "Rede de Intrigas"

http://imdb.to/1hlJ0K

Porque além de ser um filme fantástico, tem uma das maiores cenas da história do cinema, embalada por um hino: "I'm as mad as hell and I'm not going to take it anymore!"

30 Days Film Challenge

2011-07-12T14:53:00.002-03:00

Dia 7- Um filme que te faz lembrar do seu passado: O jardim secreto.

http://www.imdb.com/title/tt0108071/

Jusitificativa: porque sempre via esse filme quando criança e me identificava de certa forma com os personagens

30 Days Film Challenge

2011-07-12T14:50:00.002-03:00

Dia 6 - Um filme que te faz lembrar-se de algum lugar- O mágico de Oz

http://imdb.to/w1DNv

Porque there's no place like home! http://bit.ly/1vcZw

30 Days Film Challenge

2011-07-08T14:38:00.001-03:00

Dia 5- Um filme que te faz lembrar alguém: Nosso Amor de Ontem

http://imdb.to/4EfPfv

Porque faz e sempre fará lembrar-me da minha mãe @ninaferreira_ pois é o filme favorito dela, com os atores favoritos dela, além de ser baseado no livro favorito dela e com a canção da vida dela, ufa! Então é impossível não lembrar dela quando eu vejo o filme:)

30 Days Film Challenge

2011-07-08T14:35:00.001-03:00

Dia 4- Um filme que te faz sentir deprê: e o escolhido é... O menino do pijama listrado

http://www.imdb.com/title/tt0914798/

Jusitificativa: porque ele me faz refletir sobre a intolerância humana que ocorre das maneiras mais cruéis possíveis...e deixa também uma lição sob o qual é impossível não se emocionar...

30 Days Film Challenge

2011-07-06T16:24:00.001-03:00

Dia 3 - Um filme que te faz sentir bem: O diabo veste Prada

http://imdb.to/JRQYf

Porque: a) o elenco é excelente; b) dou muitas gargalhadas durante o filme c) e ele ainda tem uma lição positiva no final :D

30 Days Film Challenge

2011-07-05T14:40:00.001-03:00

Dia 2 - Pior filme que viu na vida: Pague para entrar, reze para sair

http://www.imdb.com/title/tt0082427/

Justificativa: porque eu nunca vi um filme de terror usar tanta desculpa pra mostrar situações sexualmente bizarras- o monstro do filme é tão tarado que quer dar uns pegas até na velhinha!E o assassinato que desencadeia toda a trama é o cumulo da taradice!Vergonha alheia total!

30 Days Film Challenge:

2011-07-04T09:56:00.002-03:00

Dia 1- Filme Favorito: O Fabuloso Destino de Amélie Poulain

http://imdb.to/19suy4

Justificativa: Porque é um filme que sempre melhora o meu dia, em todos os aspectos,além de ter uma das histórias mais adoráveis e originais que já vi! E Audrey Tautou é fantastica, bem como score de Yann Tiersen.

Agora em dvd: Esposa de Mentirinha

2011-07-01T18:30:00.002-03:00

Muitos não tem idéia mas, “Esposa de mentirinha”, a última comédia com Adam Sandler, é a refilmagem de um longa de sucesso da década de 60, “Flor de Cactus” com Walther Mathau como protagonista, mas que ao invés de ser um cirurgião plástico fazia um dentista. No elenco ainda tinham Ingrid Bergman e Goldie Hawn, que levou o Oscar de melhor coadjuvante pelo papel. Ah se o remake fosse de mesmo nível, é apenas uma comédia romântica revestida de besteirol, feita para reforçar o carisma dos protagonistas, sendo que a única coisa de destaque positivo no filme é a trilha sonora excelente que tem um mix de remixes bem apanhados de The Police.

O filme mostra no inicio Danny (Adam Sandler) que tem um nariz duas vezes maior do que o habitual que vai se casar. Ocorre que a noiva só está se casando com ele por interesse, e, ouvindo um discurso que o deixa muito magoado, ele não se casa, e a partir daí não quer se envolver com mais ninguém, conquistando garotas com a desculpa de ser casado. Anos depois, ele é um rico cirurgião plástico e Katherine (Jennifer Aniston) é sua assistente (e conhece todos os podres do patrão). Quando ele se apaixona pela bela Palmer (Brooklyn Decker) ele acaba colocando Katherine como esposa falsa dele, bem como os filhos da amiga. Num clima de mentiras, todos vão para um final de semana no Hawaii, o que inclui Kate reencontrar uma antiga rival do colégio, Devlin (Nicole Kidman fazendo uma pontinha) e claro, descobrir seus sentimentos por Danny.

E é este o filme, que inclui as habituais situações muito engraçadas, os mesmos discursos, uma cena de vergonha alheia dentre Adam, Nicole, Jennifer e Dave Matthews (dá de acreditar que o famoso musico paga este mico?) que no final das contas é hilária e as mesmas idas e vindas de uma comédia romântica habitual onde todos sabemos qual será o final.

É um filme para se assistir por puro entretenimento e sem nenhuma expectativa, pois tem-se aqui um longa mais do mesmo, que não consegue destacar-se nem por originalidade, nem por um bom roteiro. Prefira ver o original.

Nota: 6,0

Agora nos cinemas: Se beber não case 2

2011-06-26T14:57:00.007-03:00

Dirigido por Todd Phillips novamente, e com o mesmo time de atores do primeiro filme, "Se beber não case 2" antes de mais nada é risada na certa, assim como o primeiro, mas também é mais pesado, alternando momentos de brilhantismo e pura grosseria.

Aqui trata-se do casamento de Stu (Ed Helms), com a bela Lauren (Jamie Chung) que ocorrerá na Tailândia devido a origem da moça. Embarcam então os melhores amigos do noivo- Phil (Bradley Cooper), Doug (Justin Bartha) e Alan (Zach Galifianakis) por insistência da esposa de Doug que fica com pena do irmão. Encontram também o irmão da noiva, Teddy (que é feito por Mason Lee, filho do diretor Ang Lee) que é um garoto bonzinho, e super inteligente que causa um ciume doentio de Alan (que não quer perder seu lugar no grupo pro garoto).

De resto a mesma coisa: vão tomar uma cerveja na praia (sem o intuito de ser uma despedida de solteiro pois Stu ainda está traumatizado com a ultima), comer marshmallows e...no outro dia acordam em Bangcoc, onde Stu está com uma tatuagem igualzinha à de Mike Tyson, Alan está careca e o irmão de Lauren desaparecido, o que começa uma busca pelo rapaz (do grupo o único que se safa é Doug que foi dormir mais cedo e acaba escapando da confusão) que vai levá-los nas maiores confusões, que incluem um macaco mula, a volta de Mr. Chow (feito pelo excelente Ken Jeong), e uma participação de Mike Tyson no final, tudo isso em meio à muitas gargalhadas e situações embaraçosas.

É praticamente igual ao primeiro filme? Sim o é. Tem os mesmos protagonistas? Sim. Mas a grande diferença do primeiro pro segundo está na importância dos atores- se no primeiro o centro da comédia era Zach Galifianakis, no segundo filme a alma do longa é Ed Helms, que sustenta o filme dando ao mesmo o equilíbrio necessario para todas as gargalhadas possíveis- quando tudo parece estar na pior, lá está Stu com seu choro inconfundível, sofrendo por estar longe de sua noiva, e vendo tudo se repetir- e o resultado são em gargalhadas ávidas do publico que tem um misto de pena e carinho pelo personagem. As piores coisas acontecem à ele, os momentos mais vergonha alheia impossíveis, as barbaridades, as desgraças das situações...e por isso mesmo ele é o fio condutor do filme, que sem ele perderia grande parte de sua graça.

Por causa de seus momentos divertidos, "Se beber não case 2" é um triunfo, já que seu maior objetivo é fazer com o que o público se divirta durante os 100 minutos de projeção- algo que o diretor Todd Phillips consegue instantaneamente. Mas nada mais é que o primeiro em um outro local, com situações mais estranhas e pesadas impossíveis, centradas neste amigos ordinariamente comuns que vivem os mais bizarros momentos depois de uns pileques e drogas.

Um filme 100% entretenimento, que repete a formula e agrada. Mas, não sei se isso será o suficiente para fazerem uma terceira parte da jornada dos amigos.

nota: 8,0

Meia Noite em Paris e a nostalgia vazia

2011-06-23T13:49:00.004-03:00

Ah, Paris! É com esse sentimento que o novo filme de Woody Allen se abre ao espectador. Imagens de seus pontos turísticos principais fotografados com cores quentes e reconfortantes... Aos poucos, a chuva, por fim, a noite, o trânsito. Ah, a chuva! E assim conhecemos nosso herói, Gil (Wilson), roteirista insatisfeito com Hollywood, a despeito de seu sucesso, aspirando ao seu primeiro romance. É ele quem é apaixonado por Paris, e se inspira nela, mas cabe o aviso: melhor seria se fosse Paris dos anos 20. Sentimento inacessível à Inez (McAdams), sua mulher. Autocentrada, mimada, irritadiça e arrogante, ela subjuga seu marido sempre que pode, especialmente quando está por perto do pseudointelectual insuportável Paul (Sheen). Nada lhe é mais incompreensível que os sentimentos do seu companheiro.

A partir deste conflito, não é de se estranhar que Gil precisa de uma fuga criativa, que o retire daquela atmosfera de pretensão ou futilidade que o cerca. E então, a partir deste momento, embarcamos em uma belíssima fantasia. Meia Noite em Paris é daqueles filmes que se soubermos o seu desenrolar, talvez não sejamos tão impactados pela obra. Recomendo, a quem não viu o filme, que pulem direto para os dois últimos parágrafos, dedicados ao filme de maneira mais genérica.

Todas as noites, à meia noite, um carro surge do nada e segue ao passado. Gil conhece, assim, seus grandes ídolos e inspirações, como Hemingway, Fitzgerald, Elliot, Buñuel, Dali, Picasso, Matisse, Poter, dentre tantos outros. O grande sonho de sua vida é realizado, ele está na Paris que tanto lhe encanta e inspira. E assim conhece a Adriana (Cotillard), uma musa a perfeição da palavra: bela, poética, sensível, complacente e companheira. Que não se tenha nenhuma imagem fugaz do assunto: não é apenas o poeta que se apaixona pela musa, mas esta também precisa tecer por ele toda a sua admiração - ainda que o romance, por ideal, deva ser impossível. Allen é sensato em não tentar explicar ou justificar sua fantasia, ela não condiz com a realidade. Quando Gil abandona seus redutos de boemia do nascer do século, ele volta à Paris das lavanderias automáticas, dos caminhos que lhe são desconhecidos.

A paixão é imediata, e se ele já era um estranho para sua noiva, quando tenta compartilhar sua aventura, ele vira, enfim, um doente. Louco! Sua fuga é a melhor opção para lhe livrar daquele mundo. Mas aos poucos, o verniz da nostalgia começa seu decalque... Qual o ponto nesta fuga? E então, sua musa lhe dará a maior inspiração, bem no momento quando nega os sonhos mais íntimos do escritor: os anos 20 são tão cansativos, tão barulhentos e agitados. Não há como amá-lo. Num arco narrativo, uma carruagem surge e embarca musa e autor para a Belle Époque, período a despertar paixões em Adriana. E num comportado cabaré, eles conhecem Tolouse-Lautrec, Gauguin e Degas. Qual surpresa! Os dois últimos não admiram em nada sua contemporaneidade: não há criatividade. Belo mesmo era a Renascença! Como a compaixão e a imaginação cabem às musas, por parte de seus criadores, Adriana escolhe o que era impossível a Gil: ela fica na época de sua paixão.

Eis o arco da nostalgia vazia. Ela pinta os muros e as pedras que encerraram batalhas, violências e crises com um tom sépia de impossível recusa. É idealista. Não se trata em aceitar o presente como ele se impõe, mas negar ao passado as suas crises é recusar a história e o que esta tem a nos oferecer. Negar os problemas de cada época é ignorar e transformá-los em artificialidade, produtos para o turismo e o marketing de lembranças.

E Woody Allen defende tal idéia com um misto de cinismo e calor humano louvável. Seu roteiro é delicioso e a direção é centrada, buscando o visualmente belo ao invés da engenhosidade narrativa. A partir disso, tudo que tange ao visual do filme é deslumbrante, de sua fotografia aos figurinos, passando pela direção de arte. O elenco está muito bem, mas com poucos destaques. Meia Noite em Paris é um filme apaixonante por quebrar mentiras, algo que compartilha com diversos outros filmes de Allen. Sei que a crítica morreu de amores, e eu também. Mas não é o melhor trabalho recente de Allen, fica com o segundo posto. Os dramas humanos de auto-descoberta do delicioso Vicky Cristina Barcelona continuam a me inspirar muito mais.

Nota: 9,0

(Observação: para quem reparou que estou muito ausente do blog, respondo sobre o andamento de meu mestrado. Minha participação continuará irregular por um tempo...)

Agora nos cinemas: Videocast de "Minha versão do amor"

2011-06-19T21:53:00.003-03:00

minha opinião sobre o longa "Barney´s version" com Paul Giamatti.

Infelizmente esqueci de por a nota no vídeo que é 9,5.

Mil bjus à todos,

vivi

Especial dia nos namorados: Frases de filmes que tocaram meu coração

2011-06-10T21:20:00.009-03:00

Oi genteeeeeee, pra quem é solteiro ou namora, nada melhor que uns filminhos pra fazer chorar, rir, pensar ou refletir neste dia dos namorados não? Pois então selecionei alguns filmes que amo e algumas frases marcantes para vocês escolherem suas favoritas...aqui vão meus filmes favoritos sobre casais (que não necessariamente ficam juntos no final) mas que acabam com meu pobre coração hehhe:

"A vida é real...ela é feita de pequenas coisas, minutos, horas, cochilos, tarefas, rotina, e tem que ser o suficiente."

"São tempos difíceis para os sonhadores."

"Antes fôssemos como as borboletas, e vivêssemos só três dias de verão. Três dias assim com você que eu preencheria de tanto prazer...que 50 anos normais jamais poderiam conter."

"Cuidado com pessoas feridas, elas são perigosas porque sabem que vão sobreviver."

"Só se morre de amor no cinema."

"Com que freqüência você encontra a pessoa certa?"

"Gosto de sentir que me olha quando não estou vendo."

Bem gente, espero que tenham gostado das frases, todos estes são excelentes filmes e merecem ser conferidos...mil bjus, e ótimo dia dos namorados à todos, vivi:)

Agora nos cinemas: "Padre"

2011-06-07T14:52:00.002-03:00

Vocês já viram algum filme, que de tão ruim era bom? Bem, este filme em questão, definitivamente é um longa o qual se enquadra nesta categoria. Relativamente curto (apenas 1 hora e 20 minutos de duração) e com muita porrada e pouca fala, “Padre” é um filme excelente para não ser levado à sério, e provavelmente seu grande erro foi ter sido lançado em versões que utilizam o 3D, algo desnecessário a esta trama.

O filme é dirigido por Scott Stewart, que anteriormente realizou o mais ou menos parecido “Legião”, sendo que ambos os filmes são protagonizados por Paul Betthany, que está muito bem nos dois longas. Neste em especial, ele está extremamente dedicado e com jeitão de ator de ação, algo que na verdade ele não é.

O filme, que é a adaptação de um HQ, conta a historia de um grupo de guerreiros chamados pela igreja (o qual se supõe ser a católica) para lutar em uma guerra dos humanos contra os vampiros. Vencida esta guerra, os comandantes da igreja ao invés de promover ou premiar estes guerreiros, acabou os excluindo basicamente de sua sociedade. Estes guerreiros são os padres, que seguem as regras da igreja mas que podem ser homens ou mulheres, sendo que o próprio protagonista, quando vai para a guerra, deixa esposa e filha sob o cuidado de seu irmão, que assume a criança. Toda esta situação é demonstrada na narrativa da trama nos primeiros 5 minutos de filme, em forma de animação. Após, somos apresentados ao Padre protagonista (que não tem nome) onde vemos que, ele sofre muito por ter deixado sua família, e tem vários pesadelos com o melhor amigo (Karl Urban) que ele deixou ser seqüestrado por vampiros na época da guerra. Quando o xerife Hicks (Cam Gigandet) de uma cidade vizinha vai à procura dele, para que ele vá atrás de sua filha Lucy (Lilly Collins) que foi seqüestrada por um grupo de vampiros (que se julgariam estar extintos), o Padre, desafiando a igreja (que não quer acreditar em uma nova ameaça), vai juntamente com o xerife em busca de Lucy onde ele irá encontrar algo que nem ele poderia imaginar. Isso tudo claro com muita porrada e sangue.

E é assim que basicamente se sucede o longa, é a caça do Padre à sua filha com ajuda do xerife e da antiga colega Papisa (Maggie Q), além de termos uma surpresa ao descobrirmos quem é o vilão da história. Mas o mais interessante de todo o projeto, sem sombra de dúvidas, é a escalação do elenco, já que muitos personagens são associados à outros trabalhos marcantes dos atores escolhidos: enquanto Paul Betthany é mais conhecido pela grande massa por seu papel como Silas em “O código da Vinci”, Stephen Moyer que interpreta seu irmão na trama é o protagonista da série de vampiros “True Blood”. E se Cam Gigandet, o xerife, foi o grande vilão do primeiro longa da saga crepúsculo, Maggie Q é lembrada por todos por ser atualmente a Nikita na série de tv de mesmo nome. O filme ainda conta com uma participação de Christopher Plummer, quase irreconhecível de tão branco, e Karl Urban, mais uma vez muito bem. Outro grande destaque do filme é a trilha sonora de Christopher Young, realmente excelente e que ajuda e muito na trama. O aspecto do longa no estilo de “1984” de Michael Redford também merece aplausos.

Mas com certeza não é um filme para todo mundo, especialmente por ter um final aberto que sugere o inicio de uma franquia, e que pode deixar algumas pessoas insatisfeitas no final. Mas é interessante justamente por sua violência aguda, que pode ser perfeita se o filme teve uma intenção despretensiosa em sua realização. O problema é justamente se a proposta do filme foi outra, o que faz dele então um pequeno desastre.

Nota: 5,0

Agora em dvd: Além da vida

2011-06-02T13:34:00.002-03:00

Independente de qualquer coisa, todo projeto que leva na direção o nome de Clint Eastwood, é sinônimo de prestígio. Neste então, houve muito burburinho, por tratar-se de uma parceria entre o eterno Dirty Harry e o roteirista inglês Peter Morgan, autor das excelentes obras “A rainha” e “Frost/Nixon”. Em uma história que mistura o espiritualismo com as experiências pós morte, o filme não deu muito certo nos EUA (só concorreu ao Oscar de melhor efeitos visuais) mas mesmo assim provavelmente terá certo sucesso por aqui, já que o Brasil é um país que gosta deste gênero de filme.

O filme tem três protagonistas: Marie (Cecile de France) uma jornalista que está de férias na Tailândia e tem uma experiência com o pós morte por causa do famoso tsunami que aconteceu por lá. George (Matt Damon), um vidente que ficou famoso mas que decidiu abandonar o sucesso para tentar ter uma vida comum, e Marcus (vivido pelos irmãos Frankie e George McLaren) que perde o irmão Jason em um acidente e parte em busca de alguém que possa concta-lo com o irmão falecido. E claro, essas três pessoas irão se cruzar e modificar uma a vida das outras.

Contar mais da trama estraga porque a graça é justamente você acompanhar a trama de redenção e auto-aceitação destes personagens, principalmente a de Marie, que após a experiência não consegue mais se recuperar em seu trabalho, onde perde o namorado e o trabalho como ancora de um jornal francês. E pra mim é essa personagem que faz com que o público goste mais do filme, pois nos identificamos com ela. E é daí também que reside a melhor interpretação do filme, da sempre auto-nível Cecile de France, que já é estrela em seu país natal mas que protagoniza pela primeira vez um filme americano. Matt Damon também está muito bem aqui, mas vejo furos em sua trama, bem como a do menininho que consegue fazer as coisas de maneira fácil demais. Infelizmente, o furo da história reside no roteiro de Peter Morgan, que foi muito abstrato em grandes partes do filme, bem como amarrou as situações em alguns de momentos de modo pouco profundo e convincente.

E Clint também parece ser a pessoa errada a dirigir este tipo de longa, que tem um ritmo muito lento e calmo demais, sendo que o filme nem tem tanta duração...mas pelo lado positivo, as atuações são realmente boas, e Clint mais uma vez mostra que é um ótimo compositor! Os efeitos visuais também são primorosos e mereceram a indicação ao Oscar.

Bem, é um filme mediano, que deixa a desejar pelas pessoas envolvidas na trama, mas que provavelmente será querido por aqueles que gostam deste tipo de narrativa, principalmente por aqui.

Nota: 6,0

Agora em dvd: "Revolução em Dagenham"

2011-05-29T22:18:00.002-03:00

É uma pena que um filme tão adorável e brilhante como este, não tenha tido o reconhecimento devido no ano passado. Mesmo tendo feito sucesso em Toronto e 4 indicações ao Bafta (de melhor filme inglês, melhor figurino, maquiagem e melhor atriz coadjuvante para Miranda Richardson), o longa acabou não sendo indicado à outras premiações, e Sally Hawkins mais uma vez foi ignorada nos grandes prêmios, o que soa absurdo por tratar-se de uma das melhores atuações de 2010. Dirigido por Nigel Cole (de “Garotas do Calendário), e escrito por William Ivory, este filme é uma jóia que merece ser resgatado agora que chega em dvd.

Baseado na historia real de um grupo de operárias da Fábrica da Ford em Dagenham, Inglaterra que conseguiram igualar os seus salários aos dos homens no final da década de 60, o filme mostra a luta destas mulheres por seus direitos, encabeçados por Rita (Sally Hawkins) que sacrifica-se por esta luta dando tudo de si para conseguir o resultado, com a ajuda de Albert (Bob Hoskins), Brenda (Andréa Riseborough), Lisa (Rosamund Pike) e claro a ministra Bárbara Castle (vivida por Miranda Richardson) que a incentiva para seguir em frente.

E o filme é todo luxo: dos figurinos assombrosos de Louise Stjernward, até a trilha sonora divertida de David Arnold e a direção de arte de Andrew McAlpine, o filme tem um estilo e graça que agrada a todos, e tem uma jogada muito bacana ao misturar cenas reais da época intercaladas às cenas do filme nos principais acontecimentos da trama. Mas é o elenco maravilhoso que realmente chama a atenção, principalmente Sally, Bob Hoskins e Miranda Richardson, que brilham incandescentes em seus papeis, trazendo uma doçura aos papeis de modo que nos apaixonamos por eles no instante os quais os conhecemos. Alem claro de ter um roteiro muito dinâmico, nunca cansativo, que instiga o publico a torcer por aquelas mulheres destemidas e corajosas que fizeram a diferença na historia dos direitos da mulher.

É um filme excelente, sem nenhum furo ou ponto negativo, que consegue o feito que poucos filmes conseguem: ter conteúdo, entreter e emocionar, tudo isso com uma qualidade implacável e refinada que só os ingleses têm.

Nota: 10,0

Agora nos cinemas: Videocast de Reencontrando a felicidade

2011-05-14T12:36:00.002-03:00

Meus comentários sobre o longa "Reencontrando a felicidade"- Rabbit Hole, com Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Dianne West e Sandra Oh:)

Cinema Musical: A trilha sonora de A Árvore da Vida

2011-05-12T12:21:00.000-03:00

Todos sabem que eu sou fã declarada de Alexandre Desplat...então quando este projeto foi anunciado há mais de três anos, as minhas expectativas eram realmente altas...não apenas por ele ser um dos meus compositores favoritos, mas por este filme ser dirigido pelo meu diretor favorito, aquele o qual eu sempre anseio em ver um longa: Terrence Mallick. A ansiedade então foi se transformando em angústia, quando simplesmente o filme não era lançado- de 2009 até aqui, ele foi sendo transferido de ano a ano, até que finalmente ele irá estrear em Cannes esta semana, sendo que logo após irá ser lançado nos cinemas mundiais. Quanto à trilha, ela finalmente está sendo lançada e o que eu posso dizer é que é o melhor trabalho de Desplat justamente por ser o mais experimental, diferente, e entregue que ele já fez em toda sua carreira. Com um score que lembra o estilo de compositores como Stravinsky e Smetana, ainda é cedo para se falar em melhor trilha do ano, mas dificilmente haverá um trabalho tão completo e único quanto este.

O longa que ainda tem a trama cheia de segredos, contará a história de Jack (personagem de Sean Penn) desde a sua infância até a fase adulta, através do desenvolvimento do seu relacionamento com seus pais, que serão vividos por Brad Pitt e Jéssica Chastain. Tudo claro, envolvido em uma trilha filosófica, mística e misteriosa, que promete ser o grande filme de 2011.

Mas vamos à trilha- com 12 faixas, Desplat fez um trabalho totalmente inserido no conceito do filme praticamente traduzindo em notas a trama e tudo que há nela, se tornando um dos alicerces do longa, através de melodias únicas e geniais.

A primeira faixa do longa é “Childhood” que é extremamente sensível, mas de grande alcance, sendo basicamente dominada por um piano em dinâmica pianinho que soa como se fosse uma introdução para a explosão de ritmos e sons que estão por vir.

Já “Circles” é uma verdadeira odisséia, com mais de 11 minutos de duração, é praticamente uma experiência sensorial, onde através da melodia pode-se sentir a trilha, sendo um dos pouquíssimos scores dos últimos anos que consegue nos transportar para outro lugar. Durante todo o andamento da faixa consegue-se absorver o que cada melodia e passagem quer dizer- seja pelos cellos e órgãos que ecoam à uma viagem no tempo, ou pelas flautas e cordas que traduzem a beleza da natureza, sendo que esta faixa é praticamente uma atmosfera de lugares, sentimentos e emoções, onde denota-se a entrega total de Desplat ao projeto em questão. Sem defesas ou trejeitos, apenas a doação total da trilha perante o filme.

Já “Clouds” soa inicialmente como se os instrumentos estivessem chovendo, onde cada nota parece ser uma gota de chuva, para que posteriormente as cordas invadam a faixa em uma passagem sutil e bela, criando uma metáforas através da harmonia da faixa. Depois o score segue-se com “River”, que é pura poesia, começando com um piano evocando a mais profunda sensibilidade do ser humano, em uma melodia soberba e profunda, que aguça todos os nossos sentidos.

“Awakening” inicia-se com um piano que após irá se sobrepor às cordas. Mas o seu segredo mesmo está no seu final, onde a orquestra parece explodir com uma sonoridade que remete à um nascimento, uma epifania, algo transformador e definitivo. Posteriormente a trilha segue com “Emergence of life”, onde mais uma vez se ultrapassa os limites entre uma simples trilha sonora à um verdadeiro corpo do ambiente o qual está se desenvolvendo, assumindo seu posto de peça fundamental ao impacto das situações que se sucedem no filme.

Destaca-se também “Light and Darkness” que brinca com os instrumentos, alternando o som grave dos cellos ao mais agudo dos violinos, onde no inicio há uma referencia à canções de ninar, que vai crescendo e tomando corpo, sendo que no final as cordas brilham com um som iluminador, etéreo e puro.

Em “Good & Evil” há o tema do filme tocado de modo bem nostálgico e triste através de um violino praticamente em estágio de afinação de modo bem natural e virtuoso, sendo que após é acompanhado por um cello resultando em um equilíbrio perfeito. Outra grande faixa é “Motherhood”, onde as cordas dominam a faixa com uma melodia triste, nostálgica, amorosa e encantadora ao mesmo tempo, soberana e elegante.

Já “City of glass” assim como em “Childhood” é o piano quem tem mais destaque, de modo muito lento, suave, mas ao mesmo tempo dilacerador, sendo que novamente a faixa conclui-se com cordas, mas desta vez de maneira muito delicada e discreta. E “Fatherhood” talvez seja a faixa mais elegante da trilha, com uma sonoridade fina e gostosa de ouvir, bem natural e espontânea.

Após ouve-se a poderosa “Temptation”, que parece traduzir antíteses através das suas notas- entre sons luminosos e obscuros, suaves e fortes, abertos e fechados, há um choque de impressões intensas transpostas através da musica, complexa e simples ao mesmo tempo.

E para fechar com chave de ouro, há a doce “Skies” totalmente espontânea e graciosa, muito delicada e cativante, que se torna inesquecível por causa de um solo de violino totalmente harmônico e fantástico, que é acompanhado por uma orquestra tocante e sensitiva, totalmente completa e verdadeira.

É então uma trilha para se experimente, sentir, sendo praticamente uma jornada à mais profunda beleza da alma, de percepção única e marcante, que, independente de qualquer premio ou situação, consegue ser maravilhosa pelo que realmente é: incomparável e tradutora da beleza do ser.

Número de estrelas: 5

Videocast: Como arrasar um coração

2011-05-06T15:26:00.002-03:00

Oi gente, mais um videocast na parada, agora sobre o filme que estreia hoje nos cinemas brasileiros, o ótimo "Como arrasar um coração":

Agora nos cinemas: "Os agentes do destino"- porque o amor supera tudo!

2011-05-04T11:49:00.004-03:00

Eu sei que este filme saiu nos cinemas faz um tempo, mas só esta semana eu tive a oportunidade de vê-lo, então vamos lá:

Baseado em um conto de Phillip K. Dick, "Os agentes do destino" é um romance...embora seja um romance com uma pitada de ficção científica (o que é normal já que trata-se de um dos maiores autores do gênero), o longa trata nada mais nada menos do que do amor.

O filme conta a história de David Norris (Matt Damon), um deputado que está se candidatando ao senado, mas que perde a eleição por causa de coisas que fez na juventude. Antes de ir fazer um discurso por causa de sua derrota, ele acaba conhecendo Elise (Emily Blunt) e se apaixona perdidamente por ela...é um amor à primeira vista, uma paixão tão forte que ele, nem ela podem suportar...mas, acabam se desencontrando e cada um segue a sua vida.

Ocorre que, três anos depois, ao pegar um ônibus para sua empresa, David se depara com Elise no ônibus. Conversam, riem, ele pega seu telefone, mas ao chegar em seu trabalho, David se depara com o inimaginável: na sala de reuniões da empresa, todos estão paralisados enquanto um grupo de agentes não identificados fazem uma espécie de inspeção. O que são eles afinal? E o que eles estão fazendo? E a resposta é muito mais divina do que se imaginava.

Os "agentes" nada mais são que anjos que fazem pequenos ajustes na vida de todos nós (isso na idéia do filme claro), então cada vez que alguém derrubou um café na roupa, perdeu um ônibus, esqueceu algo em casa- tudo isso é um ajuste, para que as pessoas sigam seus destinos. Esses agentes são comandados por um presidente (que seria Deus mas que em nenhum momento é mostrado no filme) e devem certificar que o destino de cada um se cumpra...mas, existe sim o acaso, que são acontecimentos que ocorrem sem que os agentes possam controlar, ou entender.

Ocorre que David então fica sabendo disso pelo agente Richardson (John Slattery como sempre ótimo) e não pode contar à ninguém porque se contar, ele será reiniciado (fazendo com que ele enlouqueça). Até aí tudo bem, se não fosse o fato de que David nunca mais poderá ver Elise na vida! O motivo? David e Elise foram feitos um para o outro, até que em 2005 o plano do destino (sim o destino pode ser mudado, mas por Deus, ou seja o presidente) foi modificado fazendo com que ela tivesse um destino ligado à outro homem, e ele à presidência dos Estados Unidos. Mas David não vai desistir do grande amor de sua vida, e nada no mundo vai impedir que os dois fiquem juntos, mesmo que ele tenha que desistir de tudo por ela. E tudo isso é claro com a ajuda de seu agente pessoal, Harry (interpretado pelo sempre ótimo Anthony Mackie)

Com um roteiro e direção de George Nolfi (responsavel pelo roteiro de "O ultimato Bourne") que explica muito bem cada situação sem se tornar didático ou chato, "Os agentes do destino" é uma história de amor, muito bem feita, que emociona, mas sem cair no clichê e que tem ótimas interpretações de Matt Damon e Emily Blunt, que tem grande química entre si. Os coadjuvantes também são de peso- John Slattery, Anthony Mackie e Terence Stamp (como o agente que tem a incumbência de separar o casal custe o que custar) que estão ótimos como os agentes, cada com a sua característica, além claro da trilha sempre eficiente de Thomas Newman.

Mas o que mais chama a atenção no filme é o fato de mostrar o amor como o sentimento mais poderoso do universo, sentimento este que pode mudar quem somos, fazer de nós humanos pessoas mais completas.

E de que, no final das contas, o amor supera tudo. Até Deus.

Nota: 8,5

Agora em dvd: As coisas impossíveis do amor

2011-04-27T15:08:00.002-03:00

Este filme de 2009, que chega ao Brasil direito em dvd, é a adaptação de um best-seller de mesmo nome, e é estrelado por Natalie Portman antes dela lançar Cisne Negro (por isso que no pôster dizem ser sua melhor atuação desde Closer).

O filme conta a história da personagem dela, Emilia, uma advogada que se apaixona por Jack (Scott Cohen) que é seu sócio em uma firma de advogados e é casado com Carolyn (Lisa Kudrow) e tem um filho William (Charlie Tahan) que é solitário e introspectivo. Mas quando Em fica grávida, Jack larga esposa e filhos para iniciar uma nova vida com ela. O problema é que a filhinha dos dois, Isabel, morre no terceiro dia de vida, causando uma crise extrema em todos os envolvidos, fazendo com que Em entre em uma depressão profunda e não consiga superar a perda.

O filme, dirigido e escrito por Don Roos (que é mais conhecido por seu trabalho como roteirista, onde assinou roteiros de filmes como “Diabolique” e “Marley & eu”) é feito de modo muito delicado, onde a personagem de Natalie é o fio condutor de toda a história, e seu sofrimento, tão aberto e sincero, passa para o espectador. Há ainda um segredo envolvendo a personagem, que só se descobre quase no final da película e que pesa muito sobre o sofrimento pessoal da protagonista...não chega a ser um romance como o próprio título pode apontar, mas sim um drama que lembra um pouco “Reencontrando a felicidade”, novo filme de Nicole Kidman, mas tem uma perspectiva diferente por ainda apresentar a problemática da madastra com o enteado, e o relacionamento de Em com a ex de Jack, Carolyn, que sempre faz tudo para ferir e humilhar a nova esposa, usando seu filho como marionete nas situações.

É então um drama muito bem feito e acabado, com atuações realmente profundas e inteligentes, e com o uso sensacional da canção “Hometown” de Adele em uma cena chave. Para ver e se emocionar.

Nota: 8,0

Videocast: Minissérie Carlos

2011-04-19T11:27:00.001-03:00

Minhas opiniões sobre a genial minissérie de Olivier Assayas- Carlos.

Agora em dvd: A Mentira

2011-04-14T12:07:00.002-03:00

Em uma época onde comédias românticas se parecem cada vez mais com seus enredos fracos e seus finais esperados, eis que surge uma luz no fim do túnel através de um longa inteligente, divertido e que anuncia uma nova estrela. O filme em questão é “A mentira” protagonizado pela excelente Emma Stone.

O filme conta a história de Olive (Stone) uma garota inteligente que estuda no ensino médio mas que não é popular e que, após ser colocada na parede pela melhor amiga Rhiannon (Alyson Michalka) que a superestima, mente dizendo que transou pela primeira vez, o que se espalha pelo colégio e faz com que ela se torne alvo da puritana Marianne (Amanda Bynes, em seu ultimo filme já que a garota aposentou-se precocemente). Só que, para piorar a situação, Olive começa a receber propostas de garotos para sair, para mentir que dormiu com eles (já que os garotos em questão tratam-se de gays, gordinhos, enfim, garotos que não são populares ou tem algo a provar), ganhando dinheiro em troca! Ela então se torna praticamente a versão moderna de Hester Prynne, a protagonista do romance “A letra escarlate” e cola um “A” na sua roupa para “mostrar” suas intenções que não são verdadeiras.

Ocorre que, com o tempo, Olive vai percebendo que ajudar os outros não lhe traz nenhuma ajuda e, que suas mentiras estão se tornando uma bola de neve o que pode fazer com que ela perca o seu grande amor, Woodchuck (Penn Badgley, de “Gossip Girl”).

O filme já seria muito bom pelo seu roteiro, mas é o elenco quem dá o tom perfeito do filme- de Emma como Olive, aos pais dela, vividos por Patrícia Clarkson e Stanley Tucci, até os professores do colégio, vividos por Lisa Kudrow e Thomas Haden Church. E claro, Penn Badgley, excelente como sempre, como o mocinho original da trama.

Enfim, é um filme delicioso de se assistir, muito bem feito, bem dirigido, que deixa uma sensação boa ao final e traz Emma Stone mais radiante e divertida como nunca! Ah, e quem assistir o longa com certeza sairá com uma vontade louca de ouvir “Pocketfull of Sunshine” de Natasha Bedingfield...assista o filme e descubra o porquê.

Nota: 8,5

Séries da BBC: Orgulho e Preconceito

2011-04-10T18:53:00.000-03:00

A história de Elizabeth Bennet e Mr. Darcy, é uma das mais amadas de todos os tempos e é considerada a obra prima de Jane Austen, por ser a sua obra que melhor retrata as idas e vindas do amor. Inúmeras versões já foram adaptadas para o cinema e a tv, sendo as mais famosas a de 1940 com Greer Garson e Laurence Olivier, a de 2005 com Keira Knightley e Mathew MacFadyen e claro a versão da BBC de 1995 com Jennifer Ehle e Colin Firth que viriam a se reencontrar nas telas do cinema ano passado com o aclamado “O Discurso do Rei”.

Contando a história das irmãs Bennet em 6 capítulos, a série demonstra cada aspecto, ar, e paragrafo do livro, sendo a obra mais fiel justamente por ser a mais longa de todas as adaptações, tudo isso claro, graças ao roteiro do sempre fantástico Andrew Davies (de “Daniel Deronda”, “Little Dorrit” e “Bleak House”) que conseguiu transpor às telas a incrível história de amor sem se tornar maçante ou comprido demais.

A parte técnica também é um primor, incluindo a excelente trilha de Carl Davis (“A mulher do tenente francês”, “Cranford”) e a fotografia de John Kenway (“Jane Eyre” de 83, “Love on a branch line”). Mas o que realmente faz da série ser uma obra prima, mais do que todo o elenco, e até mesmo mais do que Jennifer Ehle, é Colin Firth como Mr. Darcy. Pra se ter uma noção do impacto causado por ele na Inglaterra, foi por causa deste papel que Helen Fielding escreveu “O diário de Bridget Jones” onde o próprio Firth revisitou seu Mr. Darcy.

De tempos em tempos a Inglaterra se apaixona por uma série de modo avassalador, e isso já aconteceu com a série da ITV “Upstairs, Downstairs” que durou 4 temporadas na década de 70, “Brideshead Revisited” da ITV de 1981 (até hoje a maior audiência em um programa da história da Inglaterra, que teve até mais audiência que o funeral da Princesa Diana!!!!!). E claro que com “Orgulho e Preconceito” não foi diferente- é até hoje a série da BBC que mais teve audiência de todas. Mas tudo isso por causa de Colin Firth, que interpreta Darcy de maneira única. Aliás, foi por causa da série (embora antes já famoso por lá, e já protagonista de filme famoso, ele tinha feito “Valmont” dirigido por Milos Forman) que ele se tornou uma coqueluche na Inglaterra, e iniciou um caso de amor que existe até hoje, sendo um dos atores mais adorados da história do país. Aliás a cena dele saindo do lago é considerada um clássico até os dias de hoje.

Talvez por isso tenha sido tão injusto que Jennifer tenha levado o Bafta e ele não (uma injustiça já sanada já que ele levou por dois anos seguidos o premio- ano passado e este ano), e que ele não tenha sido indicado nem ao Emmy de melhor ator (a série levou melhor figurino, concorrendo também a melhor fotografia, roteiro e minissérie), mas acima de qualquer prêmio, sua interpretação ficou eterna para todos, e, graças ao lançamento da série aqui no país, poderá ser apreciada por fãs do ator ou do gênero.

Uma grande série, que merece ser vista e revista não só por sua história, mas por seus atores, que brilham incansavelmente marcando as percepções do espectador.

Nota: 9,0

Agora em dvd: Amor por contrato

2011-04-03T18:39:00.001-03:00

Dirigido e escrito pelo alemão Derrick Borte, o filme é uma critica às famílias consumistas atuais, ao contar a historia dos Jones, uma família que aparenta ser perfeita mas que na verdade é de mentira, pois seus membros são contratados por uma empresa para venderem o seu estilo de vida aos vizinhos e habitantes do local o qual estão no momento.

Só que nem tudo sai da maneira perfeita que é a prevista- Steve (David Duchovny ) é o patriarca que tem coração demais para pensar na situação como um puro negocio, já Kate (Demi Moore) é ao contrário- como ela é a chefe da chamada “unidade” tenta levar tudo à sério demais, embora esteja claramente se apaixonando por Steve. O casal de “filhos” Mick (Bem Hollingsworth) e Jenn (Amber Heard) também tem suas complexidades- Mick esconde sua homossexualidade e Jenn só se interessa por homens mais velhos...e casados. Com a complexidade dos 4 protagonistas, o filme vai sendo conduzido pela paixão de Kate e Steve, e principalmente pela humanidade deste, preocupando-se com seus vizinhos, e com tudo que acontece ao seu redor.

Aliás, o filme nos faz refletir- quão longe estão os Jones de famílias que conhecemos no dia-a-dia? Por mais que eles sejam “de mentira” e queiram aparentar algo que não o são, muitas são as pessoas que conhecemos que agem da mesma maneira, ou até pior. E até que ponto o consumismo pode atingir a nossa vida, roubando a nossa essência (e no filme isso mostra bem ao narrar um casal de vizinhos dos Jones que vive em crise por mergulhar no poço sem fundo do consumismo)?

Comprar é bom, mas não vai nos dar amor, carinho, atenção, amigos e principalmente uma família. E infelizmente esta mensagem não conseguiu ser entendida pelos Estados Unidos, já que o longa acabou sendo um fracasso de bilheteria por lá...mas para quem assistir vai ser bom para refletir sobre a nossa sociedade atual, e o quanto o capitalismo nos deixam cegos pela nossa própria paixão pelo consumo.

Filme super indicado, não só por ter uma mensagem bacana mas também porque consegue convencer como comédia romântica, sendo um ótimo entretenimento. Com certeza, vale ser visto.

Nota: 8,0

Agora nos Cinemas: Videocast de Cópia Fiel

2011-03-29T21:26:00.001-03:00

Vídeo sobre o lançamento nos cinemas de "Cópia Fiel" de Abbas Kiarostami...

aqui no meu computador esse vídeo quando colocado no you tube está praticamente sem som, verifiquem se no de vocês isto também acontece e me avisem para que eu possa tentar arrumar este problema.

Mil bjus,

vivi

Agora nos cinemas: "Não me abandone jamais"

2011-03-22T21:11:00.001-03:00

Vídeo que eu fiz pra comentar o filme "Never let me go".

A partir desta semana farei videocasts por aqui a cada 15 dias tá?

mil bjussssss

Adora em dvd: "Scott Pilgrim contra o mundo"

2011-03-14T16:17:00.001-03:00

Inspirado nos quadrinhos de Bryan Lee O´Malley, “Scott Pilgrim contra o mundo” foi um filme querido pela critica mas rejeitado pelo publico. E as razões são muitas para essa duplicidade de sentimentos. Dirigido por Edgar Wright, o filme nada mais é que um videogame live action, em uma historia tão imaginativa quanto tridimensional.

O filme conta a história de Scott Pilgrim (Michael Cera, que ainda não disse a que veio) que tem uma banda de fundo de quintal na gelada Toronto, e, embora seja um conquistador barato, está depressivo desde que a sua namorada lhe deu um pé na bunda e foi ser vocalista de uma outra banda. Scott então namora uma menor de idade (Ellen Wong) mas sua sorte muda quando ele conhece a irresistível e camaleoa Ramona Flowers (Elizabeth Mary Winstead) uma jovem que seria perfeita se não tivesse 7 ex namorados super poderosos que querem arrancar o couro de Scott por ele ser o namorado da vez. Com a ajuda então de sua banda e do seu colega de quarto (vivido pelo excelente Kieran Culkin) Scott irá enfrentar estes inimigos com muita originalidade e rock and roll.

Talvez o que condene o filme ao fracasso seja uma série de fatores que também o levam à gloria segundo alguns- o fato do filme ser uma história inovadora que é apresentado da forma mais diferente possível (como se realmente fosse um videogame), a escolha de Michael Cera para o papel principal e a maneira com que a historia se desenrola é tão genial quanto imprivisivelmente chata, onde os personagens não são nada carismáticos, principalmente Ramona que não dá nenhum motivo à ninguém que vê o filme de toda a sua sedução e poder irresistível.

Mas se por um lado a história é um porre, por outro, a parte visual é um deleite, onde se destacam a direção de arte, e principalmente a edição do filme, que infelizmente não teve chance nenhuma nas premiações devido o filme ter tido uma recepção tão mista.

Provavelmente ele será apreciado por aqueles que gostam de videogames, do quadrinho original ou do próprio Cera. Pelo publico comum porem, ele tem grandes chances de ser rejeitado. Talvez porque seja o filme certo na hora errada. Ou ao contrário.

Nota: 6,0

Oscar 2011- Previsões finais

2011-02-26T19:30:00.003-03:00

Dedinhos cruzados, amanhã finalmente saem os vencedores desta temporada surpreendente e excelente, e não podíamos deixar de colocar os nossos palpites por aqui! Então coloco as minhas previsões e as do Tiaguito para vocês verem:

Previsões da Vivi:

MELHOR FILME
The King's Speech

MELHOR DIRETOR
David Fincher - The Social Network

MELHOR ATOR
Colin Firth - The King's Speech

MELHOR ATRIZ
Natalie Portman - Black Swnn

MELHOR ATOR COADJUVANTE
Christian Bale - The Fighter

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE
Melissa Leo- The Fighter

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL
The King's Speech

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO
The Social Network

MELHOR ANIMAÇÃO
Toy Story 3

MELHOR FILME ESTRANGEIRO
In a Better World - Dinamarca

MELHOR FOTOGRAFIA
True Grit

MELHOR EDIÇÃO
The Social Network

MELHOR TRILHA SONORA
The King's Speech

MELHOR CANÇÃO
"We belong together- Toy Story 3"

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE
Inception

MELHOR FIGURINO
Alice in Wonderland

MELHOR MIXAGEM DE SOM
Inception

MELHOR EDIÇÃO DE SOM
Inception

MELHORES EFEITOS VISUAIS
Inception

MELHOR MAQUIAGEM
The Wolfman

MELHOR DOCUMENTÁRIO
Exit Through the Gift Shop

Previsões do Tiago:

MELHOR FILME
The King's Speech

MELHOR DIRETOR
David Fincher - The Social Network

MELHOR ATOR
Colin Firth - The King's Speech

MELHOR ATRIZ
Natalie Portman - Black Sawn

MELHOR ATOR COADJUVANTE
Christian Bale - The Fighter

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE
Hailee Steinfeld - True Grit

MELHOR ROTEIRO ORIGINAL
The King's Speech

MELHOR ROTEIRO ADAPTADO
The Social Network

MELHOR ANIMAÇÃO
Toy Story 3

MELHOR FILME ESTRANGEIRO
In a Better World - Dinamarca

MELHOR FOTOGRAFIA
True Grit

MELHOR EDIÇÃO
The Social Network

MELHOR TRILHA SONORA
The King's Speech

MELHOR CANÇÃO
"If I Rise" - 127 Horas

MELHOR DIREÇÃO DE ARTE
The King's Speech

MELHOR FIGURINO
Alice in Wonderland

MELHOR MIXAGEM DE SOM
Inception

MELHOR EDIÇÃO DE SOM
Inception

MELHORES EFEITOS VISUAIS
Inception

MELHOR MAQUIAGEM
The Wolfman

MELHOR DOCUMENTÁRIO
Exit Through the Gift Shop

então gente, todo mundo preparado para a maior festa do cinema, segunda feira estaremos comentando os vencedores...

mil beijos à todos,

vivi

Agora nos cinemas: "O vencedor"

2011-02-25T18:51:00.003-03:00

Cerca de 10 anos atrás, Mark Wahlberg vinha tentando levar a história real do lutador Micky Ward para as telonas. Com ajuda de seu amigo pessoal, o diretor David O. Russell, eles conseguiram um ótimo time para levar a vida desta personalidade às telas, e, de uma maneira completamente original e interessante, fazer deste um filme indicado à 7 Oscars, incluindo melhor filme.

O diferencial desta película é que ela faz da história de uma pessoa, a história de sua família, onde todos os componentes são importantes: basicamente o filme destaca a história de Micky (vivido pelo próprio Wahlberg) paralelo à de seu irmão Dicky (Christian Bale), este treinar aquele, só que, devido seu vício em crack, Dicky atrapalha muito mais que ajuda Micky. Pra piorar a situação, a mãe deles, Alice (Melissa Leo, que embora tenha feito uma campanha suicida ainda é a favorita ao Oscar de atriz coadjuvante) passa a mão na cabeça de Dicky, ignorando seu vício e deixando Micky de lado. É então quando Micky conhece Charlene (Amy Adams, também indicada e ótima como sempre) que ele consegue asas para voar e mostrar todo o seu potencial. E através de situações de "cair na real" Dicky também tomará ciencia de seus atos e acordará em tempo.

O fato é que este é um filme sobre família, que independente de seu tipo é a coisa mais importante que o ser humano tem em sua vida e influencia muito os atos de cada um. E esta família em específico tem muitas peculiaridades e defeitos, mas tem a força de combater os obstáculos e vencer os desafios que lhes são impostos. Por isso mesmo, por ser um filme sobre família, que os 4 protagonistas estão indicados ao Oscar (até mesmo Wahlberg indicado como produtor do filme), já que aqui temos atuações que se complementam, e que conseguem voar pela colaboração mútua que ocorre no elenco. Outro grande destaque do filme é o roteiro, muito dinamico, e a direção de David O. Russell, muito inteligente e com cara de filme antigo.

É um dos favoritos ao Oscar (sempre digo que, depois de "O discurso do rei" e "A rede social"- the fighter é o terceiro da lista), que consegue dismistificar a história de um lutador fugindo dos clichês do gênero por sua narrativa dinâmica e perspicaz. Mas, se você não gostar deste tipo de filme, não tem problema- assista-o apenas para constatar atuações ferozes, o que está dificil de se ver hoje em dia.

Um grande filme.

Nota: 9,5

Agora nos cinemas: "O discurso do rei"

2011-02-11T20:56:00.005-02:00

Neste ano de 2010 que passou, apenas dois filmes me fizeram ficar com um nó na garganta durante toda a projeção: "Como treinar o seu dragão", por causa da amizade verdadeira de Soluço e Banguela, e "O discurso do rei" pela humanidade e sensibilidade empregadas, pela primeira vez na história do cinema, à um rei.

O longa conta a história real do rei George VI (Colin Firth), pai da atual rainha Elizabeth, que era gago e que conseguiu enfrentar o seu problema através da ajuda do terapeuta da voz Lionel Logue (Geoffrey Rush), com quem estabeleceu uma surpreendente e verdadeira amizade. Bertie (apelido para os íntimos do rei) conta ainda com a ajuda da esposa, Elizabeth, ou rainha mãe como é conhecida por todos (Helena Bonham Carter, em uma atuação inusitada e inteligente), mas tem como o inimigo Adolph Hitler, e uma invenção que mudou a história da comunicação: o rádio.

Favorito ao Oscar, o filme é um triunfo, porque mostra todas as fraquezas e dificuldades enfrentadas por uma pessoa tão importante em um dos momentos chave da história mundial. O fato é que, quando o pai de Bertie, o rei George V (Michael Gambon, numa ótima ponta) faleceu, quem o sucedeu foi Edward (vivido aqui com excelencia por Guy Pearce), o irmão mais velho que logo depois abdicou por amar uma plebéia duas vezes divorciada Wallis Simpson (Eve Best). E em uma das cenas mais bem elaboradas do longa, quando Edward assume o reinado, a unica coisa que resta à ele é desabar em lágrimas (de desespero, não de felicidade), caindo como um derrotado nos braços da mãe (vivida pela magnifica Claire Bloom, de Luzes da Ribalta), mostrando a fraqueza que iria resultar na renúncia. Logo após esta cena, Bertie vai até o "consultório" de Lionel e, com os olhos marejados de lágrimas, conta todas as angustias de toda uma vida que o deixaram tão sensivel mas ao mesmo tempo tão explosivo. Nenhum outro longa expos um rei como este, e com o roteiro fantastico de David Seidler (que com certeza tem os melhores diálogos do ano) temos aqui uma história que tinha tudo para cair no clichê, mas graças a sua realização extremamente bem focada, passa longe de armadilhas do gênero.

O filme tem ainda uma direção ótima de Tom Hooper (queridinho nos EUA por causa da série John Adams), e uma parte técnica impecável, que é incrivel justamente por ser extremamente minimalista (desde a direção de arte de Eve Stewart até a trilha estupenda de Desplat, tudo é proposital para que o filme se alinhe do jeito que é).

Mas mais importante do que qualquer coisa aqui, é o elenco. Que elenco! Derek Jacobi (como arcebispo), Timothy Spall (como Winston Churchill), Eve Best (Wallis Simpson), Anthony Andrews (como primeiro ministro), Jennifer Ehle (como esposa de Logue), Claire Bloom (como rainha Mary), Michael Gambon (como rei George V), Guy Pearce (como Edward) e principalmente Helena Bonham Carter, Geofrey Rush e Colin Firth, são triunfais. Helena, na sua atuação contida, consegue transpor todo o carinho que o próprio publico gostaria de dar ao protagonista, Geoffrey, tão preparado e inteligente, consegue aqui mostrar porque é um dos melhores atores vivos do mundo, fazendo de seu Lionel um verdadeiro amigo, incentivador, mas que também poe os pés pelas mãos de vez em quando, mas que assume seus erros. E Colin? Pensar que este papel foi oferecido primeiramente ao querido Paul Betthany, que recusou para passar mais tempo com a família e acabou dando a Colin a atuação de sua vida, seu Bertie é explosivo, vulnerável, sensível, sofredor, também erra e assume seu erros, mas acima de tudo, é uma pessoa correta, um homem de verdade, que enfrentou seus medos e conseguiu enxergar em Lionel um amigo verdadeiro que o poderia ajudar a enfrentar um país inimigo.

Talvez toda essa humanidade seja o segredo do sucesso estrondoroso que o filme anda fazendo pelas terras inglesas (nunca nenhum filme de reis ingleses fez tanto sucesso de bilheteria por lá), e comovendo vários dos votantes da academia (já que Discurso levou o PGA, o DGA e o SAG), além de ter sido indicado à 12 estatuetas.

Em meio à tanta ambição, inveja e poder, eis aqui um pequeno grande filme, que consegue expor tudo que uma pessoa deve ser: íntegra, que enfrente seus medos, e que, reconheça no outro todo o seu progresso. Independente desta ser um rei ou um plebeu. E por isso mesmo, este filme é uma verdadeira jóia.

Nota: 10,0

Agora nos Cinemas: Um Lugar Qualquer

2011-02-10T04:22:00.000-02:00

Johnny Marco (Stephen Dorff) é um ator por volta de seus 35 anos, sedutor, de corpo definido, rico, fútil e completamente sem razão de existência. Tendo sua vida completamente administrada por seus assistentes, e apenas um ou dois amigos verdadeiros - com os quais joga guitar hero, e mais nada, ele vive entre seu mundo profissional e o apart hotel no qual mora. Como um dado aleatório, ele também tem uma filha, com quem se importa pouco, mas é obrigado a passar algumas semanas com a garota porque sua mãe, antigo caso do ator, resolvera viajar e não estava com vontade de ter que ficar com a menina. É assim que Cleo (Elle Fanning) aparece na trama. Trama, por sinal, inexistente. A partir deste instante acompanhamos pai e filha em algumas situações, jantares, entrevistas, programas televisivos em língua extrangeira (desta vez italiano), até que, aos poucos, Marco perceba aquilo que é evidente: ele é um completo idiota, indiferente para qualquer outra pessoa no mundo que não fosse sua filha - quem ele não dava a mínima atenção. E a epifania ainda conduzirá o filme a um dos finais mais artificiais e tosco da recente temporada.

Bom, já na sinopse eu não consegui esconder meu descontentamento com o filme. Mas acontece que, além de ser um profundo tédio que testa a paciência do espectador do início ao fim da projeção, pode-se dizer que é um assunto já tratado anteriormente, de maneira muito mais eficiente por outros cineastas. Mas a conclusão mais estranha é que Um Lugar Qualquer parece ser o primeiro rascunho do argumento de Encontros e Desencontros. Um homem com crise em relação a sua identidade, que não encontra prazer em quase nada que o cerca, uma garota anos mais nova que compartilhará com ele desses momentos, a vida sem referências entre hotéis e viagens, a fama internacional e o deslocamento demonstrado via programas de tv em outra língua - basicamente todos os elementos do melhor filme de Coppola estão presentes neste novo. O que o torna ainda mais cansativo e decepcionante.

Contando com uma estrutura bem intimista mas, desta vez, completamente vazia, Sofia nos desafia com um filme que a despeito de sua ausente trama, o pouco carisma de seu protagonista, o encanto de Fanning e o final absurdamente artificial não há mais nada a ser comentado. O que é uma pena, uma vez que ela é uma diretora quase sempre interessante, com abordagens inteligentes de temas característicos - como a solidão e a busca por algum sentindo em vidas aparentemente banais. Se todos os três primeiros filmes dela eram no mínimo ótimos, Um Lugar Qualquer se mostra como seu primeiro grande erro.

4,0

Agora nos cinemas: Cisne Negro

2011-02-05T16:54:00.000-02:00

Por Tiago:

Creio que todos já estão cientes da trama de Cisne Negro, mas, caso alguém ainda a desconheça, vale um breve resumo. Nina Sayers (Natalie Portman) é uma bailarina de técnica excelente que luta por conseguir destaque em sua companhia. Após a aposentadoria forçada à estrela maior, devido a sua idade, Nina é selecionada para ser a primeira bailarina na nova versão do coreógrafo Leroy (Vicent Cassell) para O Lago dos Cisnes. Entretanto, desejando sempre a perfeição de sua bailarina, o coreógrafo evidencia que Nina, apesar de todas as suas qualidades - técnicas ou humanas - para interpretar o cisne branco, é incapaz de dar veracidade ao cisne negro, o vilão do espetáculo, exigindo que a moça busque outros ares para sua dança, como sua naturalidade, sua sensualidade, e seu lado cruel. Perfeccionista, ambiciosa e cada vez mais rígida consigo (o que vai pouco a pouco evidenciando toda a sua insegurança com o papel), Nina mergulha em um mundo de fantasias e delírios para realizar a tarefa.

Sou um grande fã do diretor Aronofsky, e é interessante ver a mistura que ele cria para realizar seus filmes. O seu último, 'O Lutador' (que eu considero o mais fraco dentre todos), abandonava o que há de artificial na narrativa e trabalhava completamente em cima da crueza de um cotidiano, tornando-se um tanto direto e nada sutil filme. Fonte da Vida, por outro lado, trazia uma fábula cheia de aspectos mágicos e fantasiosos para descrever um luto e o desespero de um amante em não aceitar a morte de sua mulher - funcionando assim quase como outro oposto, apenas 1/3 do filme dedicava-se à realidade. Em Cisne Negro, surge uma espécie de equilíbrio. O diretor não perde de sua trama a insuportável vida do balé, que leva seus profissionais a extremos que pouca gente imagina quando assiste a um espetáculo: espasmos musculares, tortura física, ambiciosas competições, distúrbios alimentares. Porém, tudo isso é salpicado em um quase thriller psicológico dos extremos emocionais vividos por nossa protagonista, de sua relação cansativa com uma mãe protetora e competidora (veja bem, ela abandonou sua vida de bailarina para cuidar da filha, desejando nela tanto o sucesso que nunca teve quanto, implicitamente, seu fracasso para que não seja ultrapassada), sua insegurança incontrolável diante outra bailarina querida por seu coreógrafo (Lily, interpretada por Mila Kunis), e etc.

O primeiro nome a se destacar, com arrepios no braço, é mesmo Darren Aronofsky, pela sua perfeição em transformar idéias e sensações em imagens. Já li muitas discussões que se atém às características psicológicas do filme que dão a ele um ar de sonho - o que não é bem assim - ou falam que tudo é o inconsciente de Nina. Eu defendo que não é preciso ir tão longe. Certamente, todos já viveram uma situação limite, extrema na vida, diante da qual sentimos que vamos fraquejar por completo. Seja um extremo profissional - como não deixa de ser no filme - ou um luto, como o diretor já trabalhou antes, ou uma desilusão extrema com algo. Precisamos nos defender, ainda que não saibamos como. Como um sonho em vigília, nosso imaginário funciona com ares de independente, imaginamos sim destruindo a alguém, espancando, dominando, ou até mesmo nos rebaixamos diante situações que condizem com o real. É o que eu defendo que se passa aqui. Ainda que seja divertido e realmente incômodo em alguns momentos, essa distinção do que é real ou não no filme não passa de uma mera tentativa inválida. Aronofsky conseguiu criar imagens das sensações extremas, apoiando-se no brilhante roteiro (e já comentei a sua não indicação) de Mark Heyman e André Heinz e John McLaughin.

Uma trama complexa neste estilo iria pelos ares se não encontrasse apoio em um elenco competente que desse total crédito às situações. Apesar do nome que se destaca - com merecimento - é muito necessário ressaltar que Vicent Cassel, em um papel que foge completamente aos seus padrões, Barbara Hershey, Mila Kunis e até mesmo Winona Ryder estão todos excelentes e fundamentais para o filme. Todavia, e desculpem o trocadilho, o palco é mesmo de Nina e Natalie Portman. O personagem mais complexo da temporada é defendido com bravura e impressionante perfeição pela atriz, que não apenas parece dominar - pelo menos o necessário - a aura do balé, como também o drama psicológico é trabalhado em seus mínimos detalhes, da insegurança inicial à eterna sensação de que ela se sente deslocada - ainda que estando no lugar que sempre sonhara (vide a cena na qual ela é apresentada publicamente como bailarina principal da nova temporada, em uma festa de gala), culminando em um duelo triunfal dela para com ela mesma, e os atos finais que são de arrepiar a alma, marcando o filme para sempre em nossa memória.

A parte técnica também segue de acordo com o que o filme precisa, uma fotografia que brinca com espelhos e iluminação, criando um clima noir mas com momentos de espetáculo. Uma edição elegante e inteligente que sustenta a trama, excelente desenho de som, efeitos especiais simples e surpreendentes (o surgimento do cisne negro é uma cena simplesmente inesquecível), até a soberba trilha de Clint Manssell. Já disse que o considero um dos melhores compositores em atividade, e suas parcerias com Aronofsky são sempre inspiradoras (não há outra palavra para definir as trilhas de Réquiem Para Um Sonho e Fonte da Vida, a não ser 'soberbas'), e desta vez o músico faz uma nova trilha trabalhando em cima da partitura consagrada de Tchaikovsky.

Infelizmente, um dos pontos que eu gostaria de discutir tratar-se-ia de um spoiler do filme, então preciso evitar. Mas leiam caso já viram o filme: o final. Inicialmente, Aronofsky foi inteligente o suficiente para lhe dar ares de fábula e realidade ao mesmo tempo, e enlouquecer o espectador. Mas, mais que isso, novamente pouco importa esta distinção, mas a metáfora foi maravilhosa. A fala da protagonista é precisa, e honestamente, é a homenagem que o próprio filme merecia - aquela fala tem por obrigação representar o resultado final do trabalho de Portman, Aronofsky e de todos os envolvidos com o filme. Na trama, ela coroa o ponto final obtido, mas mais do que isso, traz consigo o significado da transformação. Quando passamos por uma das tais fases extremas que comentei, quando a finalizamos, sabemos que não somos mais os mesmos. Segue-se a vida, a rotina, mas algo muito íntimo se transformou, há um deixar de existir, e começar a existir a partir de. Não apenas, na idéia de perfeição e perfeccionismo, há sucessos em nossas vidas que sabemos serem únicos, e que nunca acontecerão de novo. Por outro lado, mantém a fábula de Tchaikovsky até o fim. Por fim, não deixa de ser uma rima e uma referência genial a O Lutador, na diferença de um salto quando não se há outro sentido na vida desgastada e o salto que concentra em si toda a 'sensação de sentido da vida'.

Aronofsky tem que ser aplaudido de pé. Naqueles filmes visivelmente inteligente e diferente demais para se atingir todos os gostos, os votantes da academia e o público em geral tiveram a sensação que, ainda que o filme não os atinja por completo - o que não foi o caso dos dois autores do blog - é uma obra poderosa demais para ser ignorada. Foi assim que, mesmo não tendo o menor aspecto de filme para a Academia, exceto a atuação de Portman, ele acabou se fincando com mérito nos cinco indicados a filme e diretor. Não se enganem: ele é o vencedor daquela lista, só não é acessível para isso. Não importa. Foi perfeito.

10,0

---
Por Vivi:

Piotr Ilitch Tchaikovsky foi provavelmente o compositor clássico romântico mais importante da história. Infeliz no amor (o compositor era homossexual não assumido e nunca teve alguma de suas paixões correspondidas), ele transpunha para seus balés, sinfonias, e concertos toda a dor que ele sentia. "O lago dos cisnes", primeiro ballet do compositor, transpõe bem sua dor, sendo este provavelmente seu balé mais trágico e que mais anunciava sua dor. Mal imaginou ele que, 133 anos depois, um cineasta apaixonado por perguntas sem resposta e uma trupe de roteiristas iria transpor seu ballet com tamanha perfeição, dor, e melancolia.

Aronofosky sempre foi conhecido em tratar nos seus filmes questionamentos e, principalmente, obsessões: em Pi a obsessão era por equações insolúveis, em Requiém para um sonho os sonhos destruídos pela obsessão às drogas, em Fonte da Vida a obsessão era a vida eterna e em Lutador a obsessão era ultrapassar os limites humanos através da luta. Mas, qual é a obsessão de Cisne Negro afinal? Simples- provavelmente a obsessão mais cruel que existe na humanidade: a perfeição.

Junte então um ballet incansável e eterno, à um diretor obcecado por obsessões e o resultado é o melhor filme do ano de 2010, um dos maiores do gênero e a maior atuação da carreira de Natalie Portman. Aqui, Natalie vive Nina, uma bailarina obcecada pela dança que ao ser escolhida para protagonizar o balé do "Lago dos Cisnes" começa um tormento e calvário pessoal, que culminam em uma veracidade impressionante com a história que está sendo adaptada.

O grande problema de Nina é que ela quer ser perfeita e, a grande parte das pessoas que vivem em volta dela não colaboram para a sua lucidez: enquanto sua mãe é controladora ao extremo (vivida por Barbara Hershey), jogando sempre na cara da filha que ela deixou a carreira de bailarina por causa de sua gravidez (e aqui temos uma situação muito parecida com Rapunzel de "Enrolados"- ambas as mães são controladoras, e incentivam as filhas a fazerem coisas apenas para prazer delas mesmas e não para felicidade das filhas), seu "chefe", o renomado coreógrafo Thomas Leroy (Vincent Cassel) concorda que perfeição existe sim, e tem a ver com "se entregar ao papel" sempre criticando a garota, dizendo que ela não conseguiria interpretar o cisne negro, além da ex prima ballerina Beth (Winona Ryder) que odeia Nina por achar que ela "roubou" o seu lugar. Além disto temos Lily (Mila Kunis) a "Odile" da história, o qual tem um personagem dificílimo- ao mesmo tempo que é querida é ameaçadora, que é amiga é inimiga, e mais do que isso- causa estranheza em Nina tanto quanto atração na mesma. Com todos estes personagens em volta da protagonista, é impossível que a mesma se sinta confortável consigo mesma.

E esse desconforto e tristeza não conseguir atingir o seus objetivos, vai fazendo com que a moça tenha mais e mais alucinações, não conseguindo diferenciar o real do imaginário, a personagem da personificadora, a luta e a morte, fazendo do filme uma espécie de transposição de "O lago..." para os dias atuais. A ambiguidade das situações surge desde o primeiro instante, com espelhos por todo o lado, e alucinações inexistentes. Até a tão comentada cena de sexo entre Nina e Lilly, não passa de um sonho da protagonista (o que se observa desde o primeiro momento, já que se Lilly estivesse na casa de Nina, sua mãe claramente teria percebido a presença da garota, além de Nina e Lilly falarem a mesma frase no diálogo com Erica).

Impecável em todos os sentidos, "Cisne Negro" é um triunfo. A trilha sonora, absurdamente perfeita de Clint Mansell, moldura as cenas partindo das composições de Tchaikovsky e criando uma sonoridade totalmente nova que combina inteiramente com a composição original. A fotografia, de Matthew Libattique, também é fabulosa- fazendo com que cada cena pareça uma cena de ballet e sonho, misturando o real e o imaginário. Já os figurinos de Amy Wescott, em parceria com a Rodarte, conseguem captar a alma da personagem, ao fazer com que seus tons de roupa mudem de acordo com a mudança da personalidade da protagonista. E a mixagem de som também é grande colaboradora, ao fazer ecoar os sons de um público aclamando Nina, no meio de uma boate.

Mas o show mesmo aqui é de Natalie, que se entrega ao papel tanto quanto Nina, doando-se fisicamente e psicologicamente à personagem. Sentimos paixão, pena e tristeza por Nina, acompanhamos ela em cada passo, cada alucinação, cada dor que se revela inexistente, e todo seu sucesso e tragédia. Trata-se aqui de uma história de bastidores, de pressão, de entrega, sendo que grande parte da potencia do filme não seria possível se Natalie não fosse tão convincente e assustadora (acredito em sua vitória no Oscar e, se não ganhar, será a maior injustiça da história).

Por fim posso dizer que Aronofosky conseguiu aqui uma obra prima, que cai tão a fundo no tema do filme quanto Nina- em sua obsessão pela perfeição, criou-se uma obra perfeita, um quebra cabeça soberbo, sob o qual Tchaikovsky com certeza se orgulharia, e se enxergaria na protagonista. Nunca uma biografia de algum compositor foi tão fiel quanto "Cisne Negro". Ironicamente, é o retrato mais fiel do compositor russo.

Nota: 10,0

Agora nos Cinemas: Inverno da Alma

2011-01-31T21:35:00.000-02:00

Não me lembro se no filme a idade de Ree (Jennifer Lawrance) é revelada em algum momento, seja como for, sabemos que ela é uma garota não muito longe de sua adolescência, responsabilizada pelos cuidados de sua casa, seus irmãos e sua mãe, com alguma doença cognitiva jamais explicada. Seu pai, ex-presidiário, coloca a casa na qual sua família vive como garantia de que obedeceria as regras de sua liberdade condicional, entretanto, desaparece dias antes de ter como obrigação de se apresentar à polícia, fazendo com que a família perca sua casa. A partir disso - apresentado logo nos minutos iniciais da projeção - Ree embarca em uma jornada em busca de seu pai - fabricante de drogas ilícitas no gelado interior do Missori - para que eles não percam sua casa. Após alguns incidentes, ela passa a contar com a ajuda de seu tio Teardrop (John Hawkes).

Debra Granik é uma diretora consideravelmente novata, tendo apenas mais um curta e outro longa em seu currículo. Ainda assim, não deixa de ser interessante o tom que ela imprime em seu filme, dando-lhe diferentes camadas. Há, na somatória total, um drama humano extremamente pesado e depressivo, sem apelar para o sentimentalismo dramalhóide. Não somos manipulados para chorar neste ou naquele momento, mas sentimos um mal estar ao longo de todo o filme, como algo que vai nos incomodando progressivamente, culminando num ápice que dificilmente sairá rápido da cabeça daqueles que assistiram ao filme. Paralelo a este drama, há - ainda que involuntário ou amenizado - um clima western inegável. Não no estilo de Bravura Indômita ou os tradicionais bangs, mas não foram poucos os momentos que o clima sombrio de perseguição e fugra presentes neste filme me lembraram de Onde Os Fracos Não Têm Vez. Por fim, o filme ainda tem o acabamento bem característico do cinema independente americano, dando-lhe uma pincelada final de filme para um círculo alternativo. Creio que se encontra nesta soma parte da riqueza final da obra.

Que se destaca, além da direção precisa, por seu elenco e, especialmente, por Jennifer Lawrance e John Hawkes - ambos indicados ao Oscar de atriz e ator coadjuvante, merecidamente. Apesar de um elenco secundário extremamente correto, são os dois que sustentam o filme nas costas, especialmente a novata atriz que havia me chamado atenção desde que a conheci, no fraco Vidas que se Cruzam. Tendo um personagem extremamente complexo em mãos, uma garota que passa por todas as dificuldades imagináveis para alguém com muito mais idade do que ela e, ao mesmo tempo, parece incapaz de expressar muitas emoções - tendo sempre uma visão prática das coisas.

E aquilo que eu tomo como o defeito do filme é, de alguma maneira, intencional em sua abordagem, mas não funcionou comigo: exatamente sua frieza. Acho louvável que seu roteiro não caia em um sentimentalismo piegas para provocar uma explosão de choro e pronto. Mas somando-se diversos detalhes de roteiro, direção e atuação, o filme não deixa de causar certo distanciamento de seu público - talvez até como uma defesa deste para os sofrimentos apresentados em tela. Somos extremamente incomodados por aquilo que vemos, mas, ao mesmo tempo, não se mergulha de cabeça naquela intensidade mostrada. Que bom, poderia ser traumático.

7,0

SAG, DGA e PGA: Crítica x Indústria, Cinemão x Novidade - a temporada 2011

2011-01-31T02:18:00.000-02:00

Num ponto decisivo para a disputa, a mesa virou completamente. Não deve ser novidade para ninguém que O Discurso do Rei venceu o sindicato de atores, de diretores e de produtores. Mais do que recomeçar toda a conversa do que achamos ou deixamos de achar de cada filme, direção e atuação - o que já fizemos nos últimos 5 posts com o intuito de comentar os indicados ao Oscar 2011 - vamos em busca dos mitos e verdades por trás de cada premiação.

Comecemos pelos números. Levarei em consideração os últimos 10 a nos de prêmios, de 2000 a 2010.

SAG Awards

Na última década, por 5 vezes o prêmio de melhor elenco não coincidiu com o Oscar de melhor filme: Traffic x Gladiador, Assassinato em Gosford Park x Uma Mente Brilhante, Sideways x Menina de Ouro, Pequena Miss Sunshine x Os Infiltrados, Bastardos Inglórios x Guerra ao Terror. Ou seja, metade.

Sobre os vencedores de melhor ator, 4: Benicio del Toro (Traffic) x Russel Crowe (Gladiador) - sendo que, no Oscar, Benício foi indicado como coadjuvante - e venceu; Russel Crowe (Uma Mente Brilhante) x Denzel Washington (Dia de Treinamento); Daniel Day-Lewis (Gangues de Nova Iorque) x Adrien Brody (O Pianista) e Johnny Depp (Piratas do Caribe) x Sean Penn (Sobre Meninos e Lobos).

Melhor atriz, 4: Annette Bening (Beleza Americana) x Hillary Swank (Meninos Não Choram); Renée Zellweger (Chicago) x Nicole Kidman (As Horas); Julie Christie (Longe Dela) x Marion Cotillard (Piaf - Um Hino ao Amor) e Meryl Streep (Dúvida) x Kate Winslet (O Leitor, indicada e vencedora do SAG como coadjuvante pelo papel).

Melhor ator coadjuvante, 5: Albert Finney (Erin Brokovich) x Benício del Toro (Trafic, indicado e vencedor do SAG como ator principal pelo filme); Ian McKellen (O Senhor dos Anéis - A Sociedade do Anel) x Jim Broadbent (Iris); Christopher Walken (Prenda-me Se For Capaz) x Chris Cooper (Adaptação); Paul Giamatti (A Luta Pela Esperança) x George Clooney (Syriana); Eddie Murphy (Dreamgirls) x Alan Arkin (Pequena Miss Sunshine).

Melhor atriz coadjuvante, 4: Judi Dench (Chocolate) x Marcia Gay Harden (Pollock - sequer indicada ao SAG), Hellen Mirren (Assassinato em Gosford Park) x Jennifer Connely (Uma Mente Brilhante, indicada ao SAG como protagonista pelo papel); Ruby Dee (O Gângster) x Tilda Swinton (Conduta de Risco) e Kate Winslet (O Leitor, indicada e vencedora do Oscar como protagonista pelo papel) x Penélope Cruz (Vicky Cristina Barcelona).

Veredicto: Compatibilidade mediana. Dos anos listados, não houve um único ano em que os 5 vencedores do SAG bateram perfeitamente com os 5 vencedores do Oscar. E não dá para fincar exatamente o padrão deles, em alguns anos eles consideraram, de fato, o melhor elenco (Bastardos, Miss Sunshine), alguns anos o hype da crítica foi extremamente forte (Milionário).

Sobre 2011: Pode haver mudanças, assim em como todos os outros. Aparentemente, a grande chance disso acontecer ainda reside na categoria de Atriz, onde a vitória de Bening é sempre uma possibilidade. Uma chance remota é de melhor atriz coadjuvante terminar com Hailee Stenfeld, mas quase impossível. E sobre melhor filme, o SAG já foi considerado o culpado (uma vez que 'responsável' é uma palavra inaplicável ao caso) pela inesperada vitória de Crash - No Limite como melhor filme. Se A Rede Social tivesse vencido, o filme ainda respirava. Mas, ao que tudo indica, o ano é do Rei, mesmo.

---

DGA

Apenas dois desencontros. Rob Marshall (Chicago) x Roman Polanski (O Pianista que, entretanto, perdeu melhor filme para Chicago) e Ang Lee (O Tigre e o Dragão, que venceu melhor filme estrangeiro no Oscar) x Steven Soderbergh (Traffic) - e o curioso: o Oscar de melhor filme não ficou com nenhum dos dois, mas sim com Gladiador.

Veredicto: Compatibilidade considerável.

Sobre 2011: Havia um consenso de se premiar Fincher este ano, e Hopper é um novato. Aqui reside a última chance de A Rede Social levar um dos filmes importantes, mas ainda assim será suado - se acontecer.

---

PGA

4 desencontros: Pequena Miss Sunshine x Os Infiltrados, O Segredo de Brokeback Mountain x Crash - No Limite, O Aviador x Menina de Ouro e Moulin Rouge! Amor em Vermelho x Uma Mente Brilhante. O único filme a vencer tanto o PGA quanto o DGA e o SAG que não manteve o mesmo resultado no Oscar foi Chicago, perdendo apenas diretor.

Veredicto: Compatibilidade mediana.

Sobre 2011: Se apenas o PGA tivesse ido ao Discurso, pouco importaria. Com a trinca principal, o caso é diferente. O ano transformou-se a favor de Hopper e George VI.

O WGA foi propositalmente excluído da lista de sindicatos importantes pois suas regras (excêntricas e estúpidas) para indicação dos roteiros são tão confusas que terminam por excluir vários nomes importantes da briga.

---

E isso tudo é absurdo?

Em partes. O que aconteceu em 2011 foi um aparente retorno de antigos valores. Inicialmente, vamos falar de campanhas. Os irmãos Weinstein são conhecidos por jogarem sujo, pegarem pesado e batalharem pelo seu prêmio a qualquer custo. Entretanto, desde 2003 - quando dois de seus filmes fizeram a limpa nas premiações (Chicago e As Horas) eles vieram amargurando derrota atrás de derrota, crise financeira atrás de crise financeira; a nossa tão querida Miramax foi vendida para e destruída pela DisneyCompany, e a Weinstein Co. não emplacou nenhum grande sucesso. Conseguiu algumas indicações e prêmios - principalmente com O Leitor - mas amargurou sua maior derrota ano passado, com a destruição de sua grande aposta do ano (Nine) e o meio-sucesso de Bastardos Inglórios (o melhor daquela disputa, por sinal). Este ano é como se fosse um grande retorno, não são poucos que estão comparando o percurso de O Destino do Rei com Chicago e, principalmente, Shakespeare Apaixonado. Surge aí a esperança de David Fincher ainda vencer melhor diretor. Entretanto, A Rede Social não é nenhum coitadinho, pois a sua campanha publicitária para os prêmios está sendo a mais cara do ano. Ao que parece, apesar do dinheiro ser menor, Harvey Weinstein ainda tem o know-how e o network necessário. Sem falar que não são poucos os profissionais que devem gratidão ao cara.

Então onde surge a surpresa com os resultados de 2011? Na cisão com a crítica. E isso é bem recente. Aconteceu a partir de Onde Os Fracos Não Têm Vez que os filmes com mais cara de oscarizáveis (Sangue Negro, Desejo e Reparação, O Curioso Caso de Benjamin Button e Avatar) decaíram em prol de filmes não tão óbvios, que foram aclamados pela crítica (o citado filme dos Coen, Quem Quer Ser Um Milionário? e Guerra ao Terror). Pode parecer piada, mas três anos seguidos de comunhão indústria-crítica foi tão exótico, que parecia o rumo definitivo da Academia. Agora percebe-se que, pelo contrário, eram apenas filmes certos em momentos certos; e eu digo mais: excluiria Guerra ao Terror tranquilamente desta lista. É o filme de baixo orçamento e de bilheteria pífia sim, entretanto, a Academia é alucinada por filmes de guerra, e a guerra no Iraque estava precisando de seu próprio Platoon.

Chegamos, então, ao terceiro choque - o tradicional contra o inovador. Os Coen, Boyle e Bigelow não eram tão óbvios e além de seu apoio da crítica, traziam consigo certos ares de inovação para o tão convencional esquema da Academia. Este caráter de inovação não pode ser extremo, há regras. Comédias, dramas intimistas, filmes com cérebro em excesso não podem entrar na lista. Quem encontrava este meio termo de novidade-pero-no-mucho em 2011 era mesmo A Rede Social (visto que Cisne Negro já é excessivo). Por isso acreditava-se mais ainda no filme do Fincher. E então a Academia se rende ao velho estilo. Ah, como eles adoram reconstrução de época, história de superação, trilha sonora que tem seu volume indiscretamente aumentado no momento em que o público deve chorar, certo discurso maniqueísta de vitória e bons constumes que te enchem o peito de orgulho por aquele personagem e o te faz esquecer dele daí 5 minutos. Isso sim é Hollywood em seu melhor estilo. 2008, 2009 e 2010 é que foram exceções.

O que eu acho disso tudo? Veja bem, meus últimos dois favoritos pessoais a vencerem melhor filme foram Chicago e Milionário (isso porque todo ano eu tenho dois favoritos e me satisfaço com ele, no caso, eles partilhavam o posto com As Horas e O Leitor; ano passado, para quem não se lembra, eram Bastardos Inglórios e Amor sem Escalas; e este ano, Cisne Negro e Bravura Indômita), então pouco me importa esta briga entre Fincher e Hopper. O que eu posso dizer é que apesar das inovações, 2008, 2009 e 2010 também foram os anos mais chatos das últimas décadas, pois surpresas eram impossíveis. Não deixa de ser um tanto hilário - pelo fator 'wow', ver a trupe do criador do Facebook chupar os inglesses do período entreguerras.

Corrida ao Oscar 2011: Melhor Filme

2011-01-30T15:44:00.000-02:00

E então, com um dia de atraso, chegamos às análises finais dos indicados ao Oscar 2011. E claro, na categoria mais importante. Vamos fazer a crítica de cada um dos indicados conforme eles estrearem nos cinemas (e, nesta semana, já temos O Inverno da Alma), mas ainda assim eu, na minha parte dos comentários, escreverei um parágrafo do que acho de cada um - o que resultará em algumas grandes diferenças com minha companheira de blog, a Vivi (especialmente no que diz respeito ao líder de indicações do ano...)

Melhor Filme

Vivi:

Já era previsivel que os 10 indicados fossem estes, embora eu acreditasse que o ótimo "Atração Perigosa" pudesse triunfar acima do tristíssimo "Inverno da Alma", e, embora eu não goste de "Minhas mães e meu pai" devo admitir que este ano foi do mais altissimo nível... qualquer um dos 10 poderia vencer um Oscar de melhor filme dignamente, embora pessoalmente minhas torcidas sejam para o magnifico "Cisne Negro" (que mostra que não foi tão abraçado assim pela academia, com apenas 5 indicações) e o emocionante "O discurso do rei", líder em indicações, o longa surpreendeu por um lado, ao ser indicado até em categorias como "mixagem de som" mas mostra que a academia pode sim votar com o coração. Do outro lado da disputa está "A rede social" bom filme (mas pra mim não tão bom assim) um filme que, tem muitas diferenças e semelhanças com "O discurso do rei", ambos são filmes sobre gerações, ambos falam de criações que mudaram o mundo (enquanto a rede social fala da explosão da internet, o discurso do rei mostra exatamente a febre do rádio), ambos são sobre homens, de certa forma introspectivos, e que, através de suas diferentes jornadas, triunfam no final...só que, enquanto O rei George VI, ou apenas Bertie, é um herói, muito diferente da maioria dos monarcas ingleses por ser sensível e humilde, Mark Zuckerberg é um vilão, um antipático, que usa os outros como sua escada e quer muito, mas muito poder. O mais engraçado destes dois personagens, é que eles poderiam estar no lugar um do outro- enquanto Mark tem caracteristicas de um monarca absolutista, Bertie tem caracteristicas de um jovem sonhador. De um lado, George é coração, superação, de outro, Mark é calculo, mente, ácido e prepotencia. É dificil dizer quem vai ganhar esta batalha, mas ambos, no final das contas são merecedores por seus reais triunfos. Também poderia ter sido indicado "O escritor fantasma", provavelmente o melhor suspense dos ultimos 20 anos dirigido com ferocidade por um magnifico Roman Polanski.

Quem vence: Em uma das melhores batalhas da história do Oscar, hoje "O discurso do rei" está à frente...mas, nunca se sabe.

Quem merece: Realmente? Cisne Negro. Mas o longa é visceral e obscuro demais para a academia.

Tiago:

Assim como rejeitei ferozmente a idéia no ano passado, eu sigo com a mesma opinião: 10 indicados banalizam a disputa. Primeiro, foca-se toda a atenção à categoria de melhor direção, que passa ter seus indicados como os 'que realmente importam', segundo porque não há necessidade. Eu prefiro a Academia assumindo de vez que não tem colhões pra indicar um blockbuster a melhor filme (ainda que ele se trate de A Origem) do que ficar nessas situações em cima do muro. Entretanto, se no ano passado fomos obrigamos a amargar indicações indigestas como Um Sonho Possível e Up! Altas Aventuras, este ano os indicados - todos os 10 - foram de muito bom gosto. De fato, a lista final dos indicados já era bastante previsível, e meu único temor era que o sonífero Atração Perigosa abocanhasse uma das vagas - o que felizmente não aconteceu, ficando no seu lugar quem realmente merecia: O Inverno da Alma. O resto seguiu o adequado, contemplando-se a cota da animação, a cota da comédia cool, a cota do blockbuster inteligente, e por aí vai. Entretanto, nesta política de cotas, a academia está perdendo sua essência.

Quem vence: Até semana passada estariam todos escrevendo 'A Rede Social' aqui. E aí que O Discurso do Rei venceu o PGA e - sabe-se lá como - o DGA, tornando-se assim o filme a ser batido. Ainda que seja por dois filmes que pouco me convenceram, assumo que disputa está até emocionante.

Quem merece: Cisne Negro. Mas o que falar disso? Vamos, Aronofsky, não se misture com esta gentalha.

E um breve parágrafo meu sobre cada um dos indicados:

O Discurso do Rei

Engana-se quem acha que 12 indicações seja um sinal de pelo menos um deslumbre visual, como foi o caso de Benjamin Button, Chicago, Gladiador e Shakespeare Apaixonado. O filme é simples, visual simples, trama simples, alguns diálogos interessantes, e parece feito pela BBC. Claro que é um filme interessante - para ser mais um dos indicados. Nunca para 12 indicações e ser o frunt-runner da temporada. Mas os Weinstein precisam provar que estão na ativa - após colecionarem derrota atrás de derrota desde Chicago, culminando no absurdo que foi o massacre em cima de Nine ano passado. A vitória deste filme está me cheirando muito Shakespeare Apaixonado derrotando Soldado Ryan e Além da Linha Inimiga, com a diferença que a comédia de 98 era mais agradável.

A Rede Social

Não é o retrato de uma geração, não é o novo Cidadão Kane, não é o melhor do Fincher, não é o melhor do ano, não é porra nenhuma do que estão falando por aí. Eu chiava bastante com seu favoritismo, só não esperava que ele seria desbancado por outro filme que também não é o que falam. Pelo menos A Rede Social é um filme mais moderno, dinâmico e instigante - e um tanto mais inteligente. Se a disputa é realmente esta, fico com ele. Mas a antipatia de David Fincher está colhendo seus frutos, assim como a arrogância do filme.

Bravura Indômita

Um dos melhores filmes dos Coen até agora, e um dos melhores nesta disputa de melhor filme. Este sim mereceu as 10 indicações que recebeu, conta com atuações excelentes, e não fosse Cisne Negro, teria toda a minha torcida pela vitória. É muito estranho falar isso de um filme dos Coen, mas a sensação final é que Bravura retomou um pouco a tentativa que os filmes dos anos 50 e 60 tinham, que era de abarcar o drama, a comédia, a ação em uma única aura, e fazer um filme com todas as vertentes. E aqui até deu certo.

Cisne Negro

Meu grande favorito do ano, um Aronofsky por excelência. E desde quando isso implica em um filme acadêmico? Nessa tentativa da AMPAS parecer inteligente, acertaram em cheio ao indicá-lo a diretor, mas deixá-lo fora de roteiro, mixagem de som, atriz coadjuvante, dentre outras coisas é um sinal de que não estavam tão preparados assim. Espero que Portman não amargure uma derrota.

O Vencedor

Engana-se quem acha que é um filme de luta tradicional, ou mais uma daquelas ladainhas de superação. É um drama familiar por excelência, tendo o boxe como pano de fundo - e isso me conquistou. Mas é bem tradicionalzão, e além de seu elenco, pouca coisa chama atenção. Teve indicações em excesso.

A Origem

Junto com Cisne Negro e Bravura Indômita, o filme do Nolan termina a minha trinca de irretocáveis do ano. Seu lançamento cedo, fora da temporada de disputa, o fato de ser um blockbuster, o fato de ter um roteiro extremamente diferente e que dividiu um tanto as opiniões afastou o filme da briga. Paciência, ele continua sendo um dos melhores do ano.

127 Horas

Outro dos meus pimpolhos queridinhos, que por mim teria uma vaga em direção. Filme diferente, um roteiro extremamente bem elaborado, enfim, provando que Danny Boyle é um diretor para nunca se perder de vista.

Minhas Mães e Meu Pai

Já fiz crítica deste filme no ano passado, mas resumindo um pouco nesta corrida, é a comédia cool independente do ano. Muito atrás de obras como Pequena Miss Sunshine, Encontros e Desencontros e Amor sem Escalas (que sim, considero neste gênero), mas pelo menos muito melhor que Juno, com um elenco excelente e um roteiro interessantesinho. Caso alguém tenha se interessado pelo tema, recomendo o sueco Patrick Idade 1,5 - muito mais interessante.

Toy Story 3

Estou torcendo para que a cota de animação do ano não vá sempre para a Pixar de maneira automática. Mas este ano eles mereceram. O fim da trilogia dos brinquedos é o seu melhor momento, extremamente tocante e bem sacado. Mas não tenham dúvidas, eu sempre terei pra mim que A Bela e a Fera foi a única animação indicada a melhor filme, e isso só irá mudar se algum dia algum outro desenho for indicado entre os 5 finalistas.

O Inverno da Alma

Todo mundo tem um primo de esquerda que se preocupa um mínimo com questões sociais (no caso da minha família, eu). Este daqui é o primo socialista dos indicados rs. Um olhar seco e frio no que há de pior na sociedade norteamericana, em uma trama pesada de uma adolescente que precisa sustentar sua casa. Farei uma crítica do filme ainda esta semana, mas é bom ver a Academia cedendo espaço para este tipo de filme - baixo orçamento, alternativo, inteligente, e que enfia o dedo na ferida. Ele só não é um dos meus queridinhos do ano porque, apesar de sua boa vontade, tem seus defeitos.

Não percam esta semana críticas de O Inverno da Alma, Deixe-me Entrar, O Amor e Outras Drogas e Um Lugar Qualquer.

Corrida ao Oscar 2011: Ator, Atriz, Ator Coadjuvante, Atriz Coadjuvante

2011-01-28T19:46:00.002-02:00

UPDATE 22:49 - Annette Bening é a atual presidente do departamento de atores da Academia. Já estou confeccionando minha plaquinha de 'É marmelada!'

Vale ressaltar que este post está sendo publicado dois dias antes do SAG's, que podem definir ou pelo menos refletir os rumos definitivos das categorias. Minhas apostas, por aqui, são as mesmas que para o SAG's.

Seguindo meus extensos elogios à temporada 2010/2011, vemos 20 selecionados para essas 4 categorias nos brindando com atuações de alto nível e algumas delas memoráveis, enterrando de vez a má experiência da temporada passada. Vamos aos comentários!

Ator (Jeff Bridges - Bravura Indômita, Colin Firth - O Discurso do Rei, James Franco - 127 Horas, Jesse Eisenberg - A Rede Social, Javier Bardem - Biutiful)

Tiago:

E que lista! A última vaga era um suspense, Ryan Gosling de Blue Valentine chegou a esboçar uma indicação, alguns esperavam que todo o elenco elogiadíssimo de O Vencedor fosse indicado, adicionando Mark Whalbergh na categoria e Robert Duvall pelo nem tão comentado Get Low também chegou perto. E então o sempre excelente Bardem surpreende com uma indicação sem muitos precedentes, exceto a destacável vitória de melhor ator em Cannes, e reza a lenda que Julia Roberts não poupou esforços para ajudar o amigo. Colin Firth surge como franco favorito pelo seu George VI, o rei gago - em uma excelente interpretação que, não bastasse, está colhendo os frutos pela derrota que o ator teve o ano passado com sua delicada interpretação em O Direito de Amar, de fato, o melhor ator do Oscar do ano passado. Jesse Eisenberg surge delicioso com seu Mark Zuckerberg autista e arrogante, James Franco carrega nas costas toda a dramática de 127 Horas sozinho, e nos deixa grudado em sua trama e, por fim, Jeff Bridges divide toda a aura de Bravura Indômita com Hailee Steinfeld. Alguns reclamam de Bridges, o acham canastrão neste filme. Bobeira, seu personagem é rico, multifacetado, e o ator nos comove e nos faz gargalhar em questão de minutos - o considero a melhor interpretação do ano. Vale lembrar que ele foi o vencedor do ano passado, por Coração Louco, o que destrói todas as suas chances.

Quem vence: Colin Firth, pelos motivos citados acima e por estar em um dos filmes queridinhos da temporada.

Quem merece: Alguém duvida que qualquer um que vencer terá feito por merecer? Já que Bridges já venceu ano passado, eu realmente tendo a dar meu voto para Jesse Eisenberg, também pelos motivos citados acima. Mas a Academia jamais premiaria um jovem.

Vivi:

A única surpresa aqui foi Javier Bardem por Biutiful, já que, além dele falar em espanhol no filme, ele quase não foi citado nas premiações (e olha o poder do Bafta aí)...E isso me faz lembrar que eu tenho que ficar amiga da Julia Roberts logo, já que foi a moça quem deu um empurrãozinho pra indicação do amigo, ao celebrar um jantar com produtores em homenagem à ele, passando o filme pra galera ver... Poderiam estar aqui Robert Duvall, pelo bacana "Get Low" e Ryan Gosling, interpretando um homem sofrendo por amor em "Namorados para sempre" (não se assustem pelo titulo brega, o filme é muito mais que uma sessão emotion da TNT). E se o oscar fosse justo ele iria prestar atenção em MAIS filmes estrangeiros e indicar Eric Elmosnino por "Gainsbourg- Vida heroica" ou Andy Serkis, assustador no excelente "Sexo; drogas & rock'n'roll".

Quem vence: Colin Firth por O discurso do rei. Muita gente diz que Colin estava melhor ano passado, que é quando deveria ter vencido e etc. O fato é que talvez seja porque o personagem de Colin, à primeiro plano, seria fácil de interpretar. O que na verdade é ao contrário. George VI é tão complexo quanto a Nina Sawyers de Cisne Negro. Seu personagem é traumatizado, sensivel, carente, rejeitado, gago e esquisitão. E sim, ele interpreta um futuro REI da Inglaterra, o cara que colocou aquela joça pra funcionar e mandou o Hitler catar minhocas na segunda guerra!!!!! Por isso, nunca subestimem um rei, por mais introspectivo que ele seja...

Quem merece: Firth, pela atuação de sua vida, e por conquistar cada pedacinho do seu coração ao longo dos 110 minutos de "O discurso do rei". Por mais que você não goste do filme, é impossivel não gostar do protagonista.

Atriz (Nicole Kidman - Reencontrando a Felicidade, Michelle Williams - Blue Valentine, Jennifer Lawrance - O Inverno da Alma, Annette Bening - Minhas Mães e Meu Pai, Natalie Portman - Cisne Negro)

Tiago:

Quem acompanhou a corrida deste ano sabe que esta foi a primeira categoria importante a ser definida, meses atrás. A última vaga aberta era dada, de início, para Williams em Blue Valentine. Desde então ela já dividiu atenção com Julianne Moore, pelo mesmo filme que indicou Bening, Hillary Swank em Conviction, Halle Berry e Leslie Manville. Até Sally Hawkins foi cogitada tempos atrás. Eis que, no final da corrida, chegou ela mesma. Moore está em uma 'situação Kate Winslet' já, ou seja, não vale mais a pena indicá-la se não for para premiá-la, e isso a afastou de indicação tanto este ano quanto ano passado, como coadjuvante por O Direito de Amar. Chegou-se a cogitar, por fim, que Hailee Steinfeld seria indicada na categoria correta - uma vez que ela é líder absoluta em Bravura Indômita e foi promovida como coadjuvante, algo que a Academia consertou uns dois anos atrás quando indicou Winslet como protagonista por O Leitor, a despeito da promoção enquanto coadjuvante. A novata Lawrance está arrasado no deprimente O Inverno da Alma, em um papel pesado mas muito grato, pois levado a sério, o que ajudou a chamar bastante atenção para a atriz. Kidman volta a uma atuação de destaque, e sua indicação foi meio automatizada, como um 'bem vinda de volta', mas ela está bem. A briga está mesmo entre as duas finais. Bening surge na comédia cool do ano, em um papel nada sutil que a atriz empresta certa graça e maturidade. Sua personagem Nic tinha o risco de ser por demais estereotipada como a lésbica masculinizada, chefe de família, mas a sensibilidade de Bening faz com que o estereótipo seja desfacelado e outras facetas como a traição, a tentativa de agradar sua mulher e não se entregar apenas ao trabalho e a angústia ao ver sua família indo pelos ares foi muito bem trabalhado. Ah se fosse em outro ano... Mas não tem como! Nina Sawyers é a personagem do ano, defendida com bravura e perfeição por Natalie Portman, em uma atuação que precisará de toda uma crítica ao filme para ser descrita - o que será feito perto da estréia do mesmo. Mas o seu confuso papel de bailarina em busca da perfeição, cada vez mais mergulhada no imaginário violento e sexual que lhe é necessário é arrebatador.

Quem vence: A briga está muito dividida, e essa pode ser a categoria mais surpreendente da noite. Natalie Portman é tida como favorita absoluta e irrevogável, pois sua atuação venceu quase todos os prêmios de destaque até agora. Entretanto, eu digo tranqüilamente que sua briga com Bening está 50% a 50%. Bening foi indicada há mais de uma década por Beleza Americana e perdeu para uma atriz jovem (na verdade, desconhecida), com um papel dramático carregado - Hillary Swank, em Meninos Não Choram. E então, indicada de novo anos mais tarde, perdeu para uma atriz jovem em um papel dramático carregado. A mesma Hillary Swank, dessa vez em Menina de Ouro. Dar-lhe uma terceira derrota para uma atriz jovem em papel dramático carregado é quase anunciar uma guerra ou assinar o atestado de ódio à atriz. E a Academia adora prêmios de consolação...

Quem merece: Natalie Portman, Cisne Negro.

Vivi:

Aqui tinha-se uma ideia de quatro das indicadas (Portman, Benning, Lawrence e Kidman) tendo uma vaga em aberto. Eu apostei até o ultimo segundo que eles colocariam a mão na consciencia e indicariam Hailee Stenfield na categoria o qual ela realmente merecia uma indicação, o que não aconteceu. Sobrou então para Michelle Williams ser indicada, pelo seu incrivel trabalho em "Namorados para sempre". Este ano foi ótimo em atuações, mas duas atrizes em produções estrangeiras também poderiam figurar na categoria: Tilda Swinton, pelo fantastico "I am love" e Noomi Rapace por "Os homens que não amavam as mulheres". Tilda provavelmente não foi indicada porque além dela já ter um Oscar (o que relaxa a academia de ter a obrigação de indicá-la), "I am love" infelizmente não foi o escolhido da Itália para representá-la na categoria de melhor filme estrangeiro (conselho para Itália- parem de se influenciar pelas novelas brasileiras da globo e voltem à focar suas produções em projetos como este, que retomam o verdadeiro cinema italiano). Já Noomi, pelo simples fato da trilogia Milennium estar sendo refilmada, e sua indicação acarretaria uma pressão enorme em Rooney Mara, o que não seria muito legal pra menina. Julianne Moore também poderia estar aqui, mas foi prejudicada pelo buzz da parceira em cena Benning.

Quem vence: Por mais que "Cisne Negro" não tenha sido tão bem quisto assim pela academia, não consigo imaginar outra pessoa vencendo este oscar de atriz do que Natalie. A atriz, além de ser ótima em qualquer projeto, está suprema no papel de Nina, a doce bailarina que perde o controle ao conseguir protagonizar o balé "O lago dos cisnes". E por mais que Annete Benning seja sim uma das minhas atrizes favoritas, quero ve-la ganhando quando merece, e não quando ela divide de igual pra igual um papel com Julianne Moore quando esta foi totalmente esnobada em "Minhas mães e meu pai". A batalha é entre as duas mas ainda tenho grandes certezas da vitória de Portman.

Quem merece: Portman, a alma e poder do conto de fadas gótico "Cisne negro".

Ator Coadjuvante (Christian Bale - O Vencedor, Geoffrey Rush - O Discurso do Rei, John Hawkes - O Inverno da Alma, Jeremy Renner - Atração Perigosa, Mark Ruffalo - Minhas Mães e Meu Pai)

Tiago:

Esta categoria está um tanto interessante. Jeremy Renner não merece nem precisa estar aqui, mas chegou. Mark Ruffalo é sempre ignorado pela crítica, apesar de bons desempenhos (e destaco tranquilamente Ensaio Sobre a Cegueira), e muito se falou sobre as mulheres de Minhas Mães, mas acontece que o 'Meu Pai' em questão também tem uma atuação muito boa, e quem sabe a indicação não dê um up na carreira do ator. John Hawkes também foi lembrando, o que me deixou extremamente feliz, porque seu papel não tem tanto destaque assim. Alguns juram de pés juntos que Geoffrey Rush tem a melhor atuação da categoria e eu realmente ainda não achei onde, mas foi uma boa indicação. Por fim Bale, também com excelentes trabalhos nas costas e sempre ignorado pela Academia (alguém aí falou Sobrevivente ou O Operário?). Alguns lamentaram a ausência de Andrew Garfield nesta categoria. É uma boa atuação, mas de fato sua presença some quando está por perto de Eisenberg - e eu realmente acho que não superei minha raiva pelo ator desde Não Me Abandone Jamais, então não lamentei muito a esnobada. Honestamente falando, eu vibraria mais com uma indicação a Vicent Cassell por Cisne Negro, o que nunca foi cogitado.

Quem vence: Christian Bale. É um tour-de-force, uma atuação bem expressiva e destacável. A única chance dele perder este prêmio se deve ao fato do ator ser tido como um babaca que ninguém gosta - o que é um tanto pesado e conta muito contra. Entretanto, não vejo outra atuação fazendo frente ao ator, e qualquer outra vitória seria uma grande surpresa.

Quem merece: Christian Bale.

Vivi:

Já se sabia aqui que eram mais atores disputando do que vagas disponiveis, então de qualquer jeito, ia sobrar a batata quente de ficar de fora para algum deles. O que não se imaginava porém, é que quem ficaria de fora seria um dos queridinhos do ano - Andrew Garfield, que é único personagem mais humanizado de "A rede social". Em seu lugar, um desconhecido John Hawkes, interpretando o tio da protagonista de "Inverno da Alma" tão bom quanto a jovem. Poderiam ser indicados Andrew Garfield, já que ele está excelente em "A rede social", bem como Armie Hammer, também de "A rede social". Matt Damon também poderia ser lembrado por "Bravura Indomita" bem como Vincent Cassel por "Cisne Negro". Mark Ruffalo, por "Minhas mães e meu pai", não vence de jeito nenhum, pois sua indicação já foi um presente e tanto para o ator canastrão. Se o Oscar fosse justo ele iria indicar e premiar Flavio Parenti, que interpreta Edoardo Recchi, o filho de Tilda Swinton em "I am love". Sua atuação é uma das melhores dos ultimos anos.

Quem vence: Christian Bale tem levado todos os premios por "O vencedor", mas talvez o fato dele ser antipático o prejudicará na corrida final. Do outro lado da linha tem-se então Geofrey Rush, o poderoso ator australiano que já tem um Oscar (e também um Emmy e um Tony, só faltando um Grammy pra ele se tornar um daqueles artistas mais poderosos do circuito), mas que está impactante em "O discurso do rei".

Quem merece: Geoffrey Rush, absurdo em "O discurso do rei".

Atriz Coadjuvante (Amy Adams - O Vencedor, Melissa Leo - O Vencedor, Hailee Steinfeld - Bravura Indômita, Jacki Weaver - Animal Kingdom, Helena Bonham Carter - O Discurso do Rei)

Tiago:

Ah, como é gostoso ver que Helena Bonham Carter descobriu que há vida própria além Tim Burton. Mas, curiosamente, eu prefiro sua atuação em Alice, onde eu simplesmente não conseguia parar de dar risada. Amy Adams é uma gracinha né, e de gracinha em gracinha vai sendo indicada assim, sem mais. E quando ela vai deixar de ser coadjuvante? E quando ela vai deixar a carinha de sofredora dela? Dizem que Jacki Weaver tem a grande atuação da categoria, mas honestamente, quase ninguém viu, inclusive os votantes. Sobram Melissa Leo, que até sua indicação por Rio Congelado dois anos atrás ninguém conhecia, que está muito bem em O Vencedor e que é a front-runner até agora. E então temos Hailee Steinfeld, com sua pouquíssima idade, segurando com louvor as pontas em Bravura Indômita. O que conta a favor é que a Academia adora papéis coadjuvantes que tenham grande destaque em seu respectivo filme - mas o que pesa contra é a obviedade é que ela é lead e não deveria estar indicada aqui. Por outro lado, seria a chance de dar um prêmio de destaque para Bravura Indômita, o segundo filme mais indicado da noite. Por outro lado, a Academia não gosta muito de premiar crianças. Por outro lado, seria uma boa criança a se dar o prêmio (uma vez que recusaram a premiar a brilhante Saoirse Ronan por Desejo e Reparação). E olha que a garota roubou a indicação de Mila Kunis, que eu tanto queria. E ainda assim continuo torcendo por ela.

Quem vence: Melissa Leo, O Vencedor. Por outro lado, Hailee Steinfeld, Bravura Indômita...

Quem merece: Hailee Steinfeld. E olha que não gosto dessas indicações em categoria errada.

Vivi:

Bem como na categoria de atores coadjuvantes, a categoria de atriz coadjuvante tinha muita candidata pra pouca vaga, mas neste caso realmente eram pelo menos 10 atrizes para cinco vagas!!!! De todas as indicadas porém, estranhou-se a ausencia de Mila Kunis em "Cisne Negro"....embora em seu lugar, uma incrivel Jacki Weaver tenha aparecido, justamente, em seu lugar por "Reino Animal". A protagonista de "Bravura Indomita" a jovem e talentosa Hailee Stenfield foi submetida à coadjuvante, o que tornam as coisas ainda mais interessantes... Mereciam ser indicadas, caso houvesse espaço, a dupla de Cisne Negro- Barbara Hershey e Mila Kunis, a dupla de "O garotos de Liverpool"- Anne Marie Duff e Kristin Scott Thomas (mais uma vez subestimada pela academia) e Olivia Williams, por "O escritor fantasma".

Quem vence: Melissa Leo tem vencido todos os premios, mas é a presença de Hailee Stenfield, que faz tudo estremecer. Hailee está soberba em "Bravura Indomita" e mostra muito de seu talento aqui. Acredito que uma das duas vença o premio final.

Quem merece? Stenfield, que move de modo incrivel tudo à sua volta em "Bravura Indomita".

E amanhã encerramos nossas análises com a tão esperada categoria Melhor Filme.